Píldoras de música

I Wanna Dance With Somebody (Who Loves Me), Whitney Houston, 1987

2012-02-12T22:03:00.000+01:00

Supongo que hoy tocaba una Píldora como esta. No ya tanto por el hecho de que se la haya calificado como "diva" o cosas así, o por el mero morbo de su turbulenta vida tras la cumbre de su éxito a principios de los noventa. Simplemente, porque Whitney Houston tenía una de las mejores voces del soul de finales de los ochenta y entró, por derecho propio, en la historia del pop.

Como no puede ser de otra manera, aquí nos quedamos con lo que nos gusta más, que es con su música, que es la que hizo a Whitney grande entre las grandes. Recordada especialmente por su papel/interpretación en El guardaespaldas, personalmente creo que lo mejor de su carrera -aunque sobre gustos ya se sabe- lo hizo varios años antes, en 1987.

Aquel año publicó su álbum Whitney, una joya del soul que triunfó de una manera espectacular, y que tan sólo fue ensombrecido un lustro después en parte precisamente por el increíble hit que fue I Will Always Love You. Whitney incluía toda una colección de temas absolutamente imprescindibles: So Emotional, Love Will Save The Day o, por encima de todos, este I Wanna Dance With Somebody (Who Loves Me), que abría el disco y que se convirtió en un número uno en prácticamente todo el mundo.

Como nota personal, recuerdo que en casa teníamos la cinta -¡era de mi padre!- y se ponía bastante en la furgoneta durante el reparto de prensa por la zona de Sant Andreu y Verdún en Barcelona. De hecho, prácticamente llegamos a sabérnosla de memoria, a la par que Whitney Houston se convertía en uno de los nombres musicales más admirados en casa de la noche a la mañana.

En fin, vaya aquí el pequeño homenaje recordando a la mejor Whitney: la auténtica reina del soul de los ochenta y principios de los noventa.

Letra de la Píldora.

Hasta la próxima.

Green Tambourine, The Lemon Pipers, 1967

2012-02-11T22:30:00.000+01:00

El tema de hoy es de esos que hacen pensar que las apariencias engañan, a veces mucho. Y es que la música psicodélica de los años sesenta, fuertemente influenciada por el consumo de drogas de toda clase, a menudo se caracterizaba por sonidos pesados, de atmósferas algo más que densas, cargadas de sitars, reverberaciones y efectos de lo más variopinto.

Aparentemente, nuestros protagonistas de hoy, The Lemon Pipers, cumplían todos aquellos requisitos: su mayor hit, este Green Tambourine, lanzado en diciembre de 1967, era una canción casi de manual para el buen músico psicodélico. Incluso el extraño nombre con el que se presentaban, "los gaiteros de limón", estaba dentro de los parámetros habituales del género.

Sin embargo, una primera audición ya mostraba algo muy distinto, debajo de los sitares, los ecos y hasta una historia con reminiscencias dylanianas. Pop sencillo y fácil... y desde luego diseñado muy cuidadosamente para ser un número uno en aquellos meses de gustos llenos de luces de muchos colores. Era algo así como una canción de "psicodelia para todos los públicos".

Realmente, la historia funcionó a la perfección y, a principios de 1968, el single coronó las listas de éxitos norteamericanas. Aunque su estilo facilón le puso un sambenito encima, que arrastraría para los restos: la de primer tema de pop bubblegum -literalmente, pop de chicle, casi tontorrón- en llegar al número uno. El camino de los Archies se había abierto, y lo había hecho de la manera menos esperada: en mitad de un mar de LSD y luces caleidoscópicas.

Eso sí, dicho lo anterior, que no quede antes de acabar: a mí me parece una deliciosa pieza pop. Que lo cortés no quita lo valiente.

Letra de la Píldora.

Hasta la próxima.

Always Look on the Bright Side Of Life, Monty Python, 1991

2012-02-10T22:30:00.000+01:00

Anoche, Montse me hizo un regalo de esos que saben que no fallan: no un concierto de U2, Springsteen o cosas así -nunca me han apasionado las multitudes tan... multitudinarias- si no algo que encaja mucho más con quien escribe: asistir a un espectáculo de mis queridos Faemino y Cansado, que andaban de paso por Tarragona.

Sé perfectamente que su humor no conoce término medio: o gusta muchísimo, o no gusta nada. Yo estoy en el primer grupo desde la época de la Bola de Cristal, y Montse, viendo las carcajadas que se metía, pues también. Como muestra, vaya una frase memorable del show: Eres más inútil que la "M" de "Benidorm", lo cual dicho al grito pelado de Carlos Faemino quedará en los anales de mis neuronas para mucho tiempo.

Fue una hora y media para olvidarse de todo y meterse de lleno en un torrente surrealista como pocos pueden oirse, y que tuvo un apropiadísimo final cuando terminó la función. Y es que por la megafonía sonó este célebre Always Look on the Bright Side of Life de los Monty Python, posiblemente la canción con más buen rollo nunca escrita.

Y eso que fue casi improvisada. Eric Idle, que es el componente de los Python que la compuso y la cantó en la Vida de Brian, empezó a entonarla por mero aburrimiento en el caluroso rodaje del film, realizado en Túnez. A los otros miembros del grupo les encantó (curiosamente, parece ser que al único al que no le mataba era al propio Idle), y empezaron a entonarla hasta incluirla en la célebre escena final en la que un montón de crucificados se ponen a cantarla contra todo pronóstico.

Por cierto, que a los más puntillosos os habrá extrañado el año. Efectivamente, el tema se grabó originalmente no en 1991, si no en 1979, durante el rodaje de la Vida de Brian. Sin embargo, hasta doce años después, la discográfica no decidió editarla como sencillo. La causa es que en el interín, el tema se había hecho muy popular entre todo el mundo, y era tan posible escucharlo en un partido de fútbol como en un entierro (los propios Monty Python la cantaron en 1989 durante el funeral de su compañero Graham Chapman, precisamente el personaje de Brian Cohen de la peli). Un DJ empezó a pincharla en su programa, y de ahí al relanzamiento del tema no hubo nada.

En definitiva, que ayer me lo pasé muy bien, y me apetecía transmitiros un poco del buen rollo recibido ¿Y qué mejor forma para empezar un fin de semana que silbando el tema de hoy?

Letra de la Píldora.

Hasta la próxima.

Thick As A Brick, Jethro Tull, 1972

2012-02-09T22:30:00.000+01:00

La canción de hoy es un clásico total de los setenta... del que normalmente sólo se suele escuchar su primer movimiento, el más recordado de cuantos incluye. Porque Thick As A Brick (más o menos algo así como "tonto como un tocho"), en realidad, es un tema que dura ¡todo un álbum!

Con él, los Jethro Tull, espoleados por la prensa tras su anterior álbum Aqualung -que consideraron como "conceptual"- quisieron hacer uno disco "conceptual" de verdad, en cierto modo mofándose de los auténticos maestros del rock sinfónico. Y vaya si lo hicieron: con una única pieza de 43 minutos y pico que tuvieron que dividir en dos partes por la mera razón física. Los discos de vinilo tenían dos caras, y en una sola no cabía tanto surco como para tres cuartos de hora a 33 rpm.

Por supuesto, tamaño arrebato era imposible de pasar por las radios, así que se optó por seleccionar para la promoción sus primeros tres minutos, de aires folk, y que son los que todo el mundo conoce. Sin embargo, aquel monstruo contenía cambios de sonido como para detener a un mercancías. Por ejemplo, a mí, el que desde siempre me ha gustado más es su segundo movimiento, tras el interludio que lo separaba de su parte inicial (en el clip es la parte que comienza a partir del minuto 3:30, aproximadamente, y en el vínculo de Goear a partir del minuto 5, más o menos), un fragmento de rock épico con mayúsculas, en el que la flauta de Ian Anderson brilla en toda su vertiginosa gloria especialmente en su obertura instrumental.

De todas maneras, como habréis intuido los no iniciados en este disco, no es de fácil escucha la primera vez, aparte de su famoso principio. Por eso, el vídeo que adjunto es una actuación que hicieron en 1978 en el Madison Square Garden y que compilaba de manera muy inteligente los tres primeros movimientos del tema en "apenas" 11 minutos. Pensad que acostumbraban a tocar la pieza en directo en versiones de hasta ¡70 minutos! De todas maneras, aviso que la parte final, la más "progresiva" de las tres, es un poco más dura de escuchar que las dos primeras.

Y para los sí iniciados, y amantes de Jethro Tull, directamente os adjunto por Goear el tema completo, en sus casi tres cuartos de hora. Estoy seguro que unos y otros gozaréis un montón con este temazo con mayúsculas... aunque cada uno con su parte preferida, desde luego.

PS: una nota para que tengáis constancia de hasta qué punto hace cuarenta años la gente arriesgaba mucho más comprando discos. Thick As A Brick llegó al número 5 en Gran Bretaña... y al número 1 en Estados Unidos. Ahí queda.

Versión completa (¡Sí, en realidad, el disco entero!)

Versión editada en directo de 1978

Letra de la Píldora.

Hasta la próxima.

The Rockafeller Skank, Fatboy Slim, 1998

2012-02-08T23:59:00.000+01:00

"Right about now, the funk soul brother, check it out now!" Sonar los primeros compases del Rockafeller Skank, con su memorable y acelerado estribillo... y empezar a hacer el bestia en la pista todo era uno allá por finales de 1998, momento en que el tema de hoy se convirtió en uno de los más radiados y pinchados por todo DJ de norte a sur y de este a oeste.

Y lo dice quien no es precisamente un gigantesco fan de la música electrónica, más allá de unas pocas decenas de muy buenos temas, éste entre ellos. Pero su aire retro mezclado con la velocidad de finales de los noventa (sí, hubo un tiempo donde no había crisis y todo prometía para un recién licenciado) eran una mezcla explosiva a la que era muy difícil de resistirse en una noche de fiesta entre amigos.

El aire retro del que hablo estaba más que justificado, ya que The Rockafeller Skank era una colección de sampleados de todos los tiempos, como quien dice, desde Duane Eddy hasta John Barry, pasando por Bobby Fuller. El propio estribillo ni tan siquiera era original del tema, si no que estaba extraido del rapero Lord Finesse.

En cualquier caso, la combinación resultó ser una bomba que llegó hasta el puesto sexto de las listas británicas, y que abrió paso al álbum de Fatboy Slim (el alias del ex Housemartins Norman Cook) You've Come a Long Way, Baby hasta el número uno absoluto. En cuanto le déis al play, recordaréis por qué. Right about now!

Letra de la Píldora.

Hasta la próxima.

Roll Away The Stone, Mott The Hoople, 1973

2012-02-07T23:30:00.000+01:00

Aunque no lo creáis, estos días de dique seco forzoso (ya os contaré en algún momento) están suponiendo una ocupación de tiempo mayor que en circunstancias ordinarias. Sin ir más lejos, hace nada que acabo de llegar a casa de una reunión, y antes había estado en mi primera sesión del cursillo de bajo eléctrico al que me he inscrito para sacarle un poco de rendimiento al trasto. No se aburre quien no quiere.

Como sea, aquí ando planificando ya mi retirada a la cama, pues creo que está bien por hoy. Pero no sin antes dejar la Píldora reglamentaria, de la mano de una de mis bandas favoritas, los Mott The Hoople.

Para la mayoría, este grupo, si os suena de algo, es por su imperecedera balada All The Young Dudes, escrita por David Bowie y llevada al éxito por los muchachos de Ian Hunter en 1972. Sin embargo, entre aquel año y 1974 fueron uno de los grupos imprescindibles de la escena glam rock británica. Su estilo se movía entorno a un rock clásico y sin demasiados matices, lejos en general de las filigranas de Bolan o Bowie pero sin llegar al macarrismo de gentes como Slade o, sobre todo, The Sweet.

Tras All The Young Dudes, el single más exitoso que lanzaron fue este Roll Away The Stone, que llegó al Top Ten a finales del verano de 1973. Como nota peculiar, fue grabado dos veces, una como single y otra para el álbum The Hoople. En la segunda versión se había cambiado al guitarrista Mick Ralphs por su sustituto Ariel Bender y las voces del trío vocal Thunderthigs (las mismas que pusieron los famosos coros al lado salvaje de Lou Reed un año antes y que podéis ver en el clip) por la de Linsey de Paul, cantante y posterior periodista musical que se encontraba entonces en su mayor momento de gloria como intérprete.

Aunque para gloria, la que voy a pillar en cuanto ponga los pies en el pasillo camino del dormitorio presto a dormir. Más aún con la satisfacción del deber pildorero cumplido. ¡Buenas noches!

Roll Away The Stone - Mott The Hoople (por Grooveshark)

Letra de la Píldora.

Hasta la próxima.

Apache, The Shadows, 1960

2012-02-06T23:24:00.000+01:00

The Shadows son uno de los grupos más influyentes de la historia del rock británico y, desde luego, el número uno absoluto en las islas hasta la llegada a la fama de los mismísimos Beatles. En solitario o como apoyo a Cliff Richard, su nombre siguió siendo sinónimo de éxitos incluso después de la irrupción del binomio Lennon-McCartney, y todavía en los setenta siguieron cosechando hits.

Sin embargo, de su larguísima discografía, su tema más recordado como grupo fue su Apache de 1960, con el que consiguieron el número uno en toda Europa, incluida una España que apenas estaba empezando a conocer aquellas cosas del rock tan extrañas.

Musicalmente, recogía la quintaesencia del sonido instrumental de la banda, con unas guitarras limpias y ensoñadoras que marcaban no sólo el ritmo, si no también la melodía. Apache, particularmente, era un tema de marcadísimo acento western, que les fue presentado a los Shadows por su compositor, Jerry Lordan, durante un concierto en el que éste les hacia de telonero.

Como curiosidad, Cliff Richard, del que muy pronto escucharemos algo en este blog, se subordinó al grupo, en lugar de ser al revés como era más habitual. Así, dejó la voz de lado para tocar los timbales del principio de la canción, en plan indio... apache, cómo no.

En definitiva, se trata de un clásico total de esos que hay que escuchar obligatoriamente para entender una parte fundamental de la música rock. Y que hace imaginarse a uno cruzar a caballo el Río Bravo, ya puestos.

Letra de la Píldora. (!)

Hasta la próxima.

Pure, The Lightning Seeds, 1989

2012-02-05T23:14:00.001+01:00

Tal y como comenté ayer, hoy debía levantarme bastante temprano -a eso de las seis ya estaba en planta, y con agravante dominical encima- para asistir como voluntario a la Duatlón celebrada a lo largo de la mañana en el Paseo Marítimo de Calafell.

Hay que decir que el frío era devastador (hacía tal vez treinta años que no usaba un pantalón de pijama como defensa adicional al tejano, lo prometo) y, en algunos momentos, al principio de todo, casi había que preocuparse en ayudar en trabajos físicos no sólo ya por colaborar, si no por no estarse uno quieto bajo el relente pelón.

En cualquier caso, todo el sufrimiento compensó por el éxito de la prueba... y por la buena música que la acompañó, cuyo único problema es que se repetía tal vez con excesiva cadencia. Uno de los temas rescatados (y digo rescatados porque la lista de reproducción parecía sacada de un "Lo mejor de los 80") y aún no aparecidos por aquí fue este Pure con el que los Lightning Seeds saltaron a la luz en 1989, y con notable éxito, por cierto.

Como apunte final, os diré que tras los trabajos de montaje iniciales, a un compañero y a mí nos tocó controlar el acceso a la zona de corredores, a la manera de una improvisada (pero sorprendentemente efectiva a juzgar por el caso que nos hacían los curiosos) seguridad. Eso sí: movimiento, el justo, y con la rasca que no se iba ni a la de tres, aún estoy evaluando a estas horas si he pillado la del pulpo o, por el contrario, me he escapado por los pelos de la galipandria del milenio. Os mantendré informados.

Letra de la Píldora.

Hasta la próxima.

Tempted, Squeeze, 1981

2012-02-04T23:09:00.001+01:00

Aunque sea sábado, hoy debo irme a dormir bastante más temprano de lo habitual incluso entre semana: mañana he de levantarme a las seis para poder participar como voluntario en la duatlón que organiza el Club Calafell Runners, del amigo Toni Duart, un crack de la materia. Así que agilizaré los dedos, que se me hace un pelín tarde.

De todas maneras, os quedáis en buenas manos, las de un clásico absoluto de los Squeeze que os sonará con total seguridad. Y no tanto por haber sido un gran éxito en listas -que lo fue, pero moderado- si no por la difusión que tuvo posteriormente en cine... y en publicidad.

En cuanto al cine, una versión algo retocada formó parte de esa joya de 1994 llamada Reality Bites. Aunque el público español tendrá aún un mayor recuerdo por un anuncio tremendamente popular. ¿Os acordáis de aquello de "joven aunque sobradamente preparado"? Efectivamente, Tempted era el tema que sonaba en aquella publicidad del Renault Clio en los cada vez más lejanos años noventa.

A diferencia de otros temas del grupo británico, Tempted fue interpretado por el teclista del grupo Paul Carrack (el que con el tiempo sería el miembro más popular de Mike and The Mechanics) e incluso participó el mismísimo Elvis Costello, que ejercía de productor.

Y sin más, me voy a clapar, que las seis están aquí mismo, y si ya pesan un día cualquiera, no os quiero explicar un domingo. ¡Buenas noches, y que lo disfrutéis!

Letra de la Píldora.

Hasta la próxima.

Concerto Grosso: allegro & adagio, New Trolls, 1971

2012-02-03T22:41:00.000+01:00

Desde el principio, la vocación de este blog era no descartar ningún estilo, ni siquiera la música clásica, que acabará entrando por derecho propio. Sin embargo, de momento, vamos a seguir acercándonos por los vericuetos del rock progresivo en sus vertientes más sinfónicas.

Una de las más célebres fue la que en 1971 lanzaron los italianos New Trolls, en su memorable álbum Concerto Grosso. Como ejercicio, era todo un osado intento de mezclar la música barroca con el rock, a la manera que cuatro años antes habían hecho los Moody Blues en su Days Of Future Passed.

En música clásica, un Concerto Grosso es un forma musica creada en el barroco por Alessandro Stradella y popularizada por Arcangelo Corelli, influencias directas nada menos que de Vivaldi. En estos Concerti Grossi, se alternaban partes tocadas por orquestas completas con otras interpretadas por secciones más pequeñas o solistas. Pues bien, es lo que hicieron los New Trolls junto al director de orquesta argentino Luis Enríquez Bacalov. Éste manejaba la orquestación clásica -de aires barrocos, naturalmente- y la banda se encargaba de acompañar eléctricamente la pieza en un estilo que recordaba directamente al de los Jethro Tull, flauta esquizofrénica incluida.

El resultado fue todo un éxito, con más de 700.000 copias vendidas, y uno de los álbumes más influyentes del rock progresivo italiano y europeo. Con el tiempo, los propios New Trolls, como otros sinfonistas, abandonaron el barco progresivo por un rock mucho más comercial, pero su impronta quedaría allí.

En el post de hoy os dejo los dos primeros "movimientos" del disco, el arrebatador Allegro, seguido del Adagio, que era cantado. La versión del clip es un directo actual que, no obstante, recoge fielmente el sonido original del disco. Espero que os guste. Cuanto menos, no me negaréis que la propuesta de hoy no es original...

Nº1: Allegro

Nº2: Adagio

Letra de la Píldora.

Hasta la próxima.

Tenía tanto que darte, Nena Daconte, 2008

2012-02-02T22:30:00.000+01:00

En otro más de estos giros esquizoides que tanto nos gustan por aquí, dejamos atrás a la apocalíptica Thunderstruck de los AC/DC para entrar en una canción protagonizada por un dúo cuya mitad... llegó a participar en un Operación Triunfo. Sí, como lo leéis. Pero a estas alturas ya sabéis de sobra que en este blog hay de todo, y que no nos privamos de una buena canción más allá de sus pretéritos antecedentes.

Y es que más allá de prejuicios, Tenía tanto que darte es una canción mucho más que aceptable enmarcada en un power pop muy cuidado. De hecho, posiblemente, su peor pecado haya sido sonar hasta la saciedad y un poco más aún, pero musicalmente, nada más. No puede decirse eso mismo del resto del disco, Retales de Carnaval, mucho más convencional, pero sin duda su tema principal fue número uno merecidamente.

Y es que hasta el presente, Tenía tanto que darte es el mayor hit de la pareja formada por Mai Meneses y Kim Fanlo, pareja que se disolvió en 2010 para continuar sólo ella manteniendo el nombre de Nena Daconte.

De la canción de hoy corrió la historia (y creo que aún corre) de que trataba de un aborto involuntario de Meneses, lo cual casaba perfectamente con la letra y le daba un enfoque totalmente íntimo. Sin embargo, la propia cantante tuvo que desmentirlo, admitiendo que hablaba de su relación personal con su partner en el grupo. Eso sí, la historia creada alrededor del supuesto aborto fue una magnífica promoción adicional, que mostraba no sólo un tema muy pegadizo si no una trama conmovedora.

En todo caso, más allá de consideraciones, un tema para escuchar sin prejuicios, que es de lo que se trata cuando la cosa va de música, ¿no?

Letra de la Píldora.

Hasta la próxima.

Thunderstruck, AC/DC, 1990

2012-02-01T23:06:00.000+01:00

El tema de hoy suele ser considerado una delicia... y un desafío para los amantes de la guitarra eléctrica. Los que se atreven a tocarla, claro. Thunderstruck es, por derecho propio, uno de los temas más conocidos para cualquier metalero o aspirante a metalero que se precie.

De hecho, incluso para los que no lo éramos, cuando se publicó allá por 1990 -16 castañas de quién escribe-, nos era imposible resistirnos a hacer un air guitar con esto. O, mejor dicho, un finger guitar, ya que nos pensábamos que el bueno de Angus tocaba la pieza con una sola mano, a golpe de tapping (forma de tocar la guitarra pisando con los dedos las cuerdas contra el mástil).

La causa estaba en el vídeo clip que tenéis a continuación, que hizo correr la idea de que el célebre guitarrista de los AC/DC se marcaba toda la canción así. No era cierto. En realidad, lo hacía de manera convencional, punteando las cuerdas, pero la leyenda ya había quedado escrita para la posteridad.

De una manera o de otra, su acelerado arpegio quedaría como reto para los propietarios de guitarras eléctricas, incluso hoy en día. Mi sobrino Gabi, que es de esta especie, llegó a tocarlo incluso en una Nochebuena, cambiando radicalmente el tercio de villancicos reglamentarios. Hay que decir que lo hizo con tanta finura que a nadie le supo mal.

Como apunte anecdótico final, más tarde me sumé a la batería de la canción, con un resultado conjunto bastante aparente, al final de todo. Eso sí, que quede entre nosotros: menos mal que no era tan difícil como la guitarra. Si no, de qué.

Letra de la Píldora.

Hasta la próxima.

Gone Daddy Gone, Violent Femmes, 1983

2012-01-31T23:15:00.000+01:00

Si os gustan mucho los Gnarls Barkley, conoceréis segurísimo esta canción, así como su divertido clip con las pulgas músicas cayendo una a una... pues bien, no era de la extraña pareja británica, si no de estos norteamericanos que influyeron como pocos en el rock indie de su país.

En 1983, los Violent Femmes eran una formación con tres años de vida. Habían nacido de los restos del movimiento punk del otro lado del Atlántico, y sus inicios fueron los típicos en estos casos: tocar en cafés o incluso en esquinas en plena calle. En una de estas actuaciones callejeras, los escuchó Chrissie Hynde, la cantante de los Pretenders, y les invitó a tocar algo en el concierto que estos, ya en el estrellato, estaban dando en la sala de enfrente.

A partir de aquí la cosa empezó a ir mejor. Sus demos llegaron a buenos oidos, y en la primavera de 1983 lanzaron el que era su primer álbum, llamado como la misma banda. En este disco se incluía, precisamente, Gone Daddy Gone, que sería lanzado como single inicial.

Su impacto, hay que decirlo, fue limitado a gran escala, pero lo suficiente como para que permitiera el despegue de la carrera del grupo. Y lo suficiente como para que 23 años después Gnarls Barkley le dedicara el último sencillo de su memorable St. Elsewhere, en una doble cara A que compartía con otro gran tema, Who Cares?.

Así que os dejo con un paseo por el lado más indie de los ochenta. Ciao!

Letra de la Píldora.

Hasta la próxima.

The Power, Snap!, 1990

2012-01-30T23:29:00.000+01:00

Píldora poderosa para un día largo... pero con una energía que incluso hace que a estas horas me haya apetecido dedicarme este pedazo de revientapistas en clave hip hop como pequeño homenaje previo a irme a dormir.

The Power es, casi seguramente, uno de los temas que cualquiera, absolutamente cualquiera de nosotros, ha grabado en su cabeza de manera machacona. Aquel"I've got the power", aquel sampler de guitarras duras y un ritmazo irresistible suponían tal mezcla que hacían bailar incluso a este armario ropero que escribe (entonces no tan armario ropero, también es cierto).

El tema era una auténtica colección de sampleados, algunos de los cuales fueron obtenidos sin autorización (incluido su celebérrimo "I've got the power", sacado de una pieza de Jocelyn Brown). Esto supuso que buena parte tuviera que ser nada menos que regrabada hasta su forma final par evitar problemas legales.

De todas maneras, a nadie pareció importarle todo aquello. The Power escaló como la espuma en las listas de éxitos no sólo de baile, si no también en las pop, incluyendo un número uno en Gran Bretaña y un número dos en Estados Unidos. Todavía es fácil recordar al mismísimo Will Smith en su alter ego del Príncipe de Bel-Air rapeando esto en plan de coña en la que fue la serie más emitida -y repetida- de toda la década de los noventa.

Y sin más, os dejo con el poder. ¡I've got the power!

Letra de la Píldora.

Hasta la próxima.

What's Up?, 4 Non Blondes, 1993

2012-01-29T22:31:00.002+01:00

"I say hey, what's going on?" Metedle a esto un tono tipo alarido, y recordaréis en seguida a uno de los temas más escuchados de 1993, de aquellos que sonaba en radio, tele y hasta en la sopa... pero de las buenas, las de plato y cuchara. Las que censuraban Internet aún no existían ya que prácticamente casi nadie usaba la red por entonces.

Volviendo a la canción, de hecho ni siquiera aparecía el título en la letra. El verso que más se repetía era, precisamente, "what's going on?", que viene a ser "¿qué pasa?". Pero uno de los temas más famosos de la historia del pop, interpretado por Marvin Gaye, se titulaba igual. Para evitar confusiones, se decidió cambiarlo por otro título que quisiera decir exactamente lo mismo: What's up?

Efectivamente, estáis pensando lo mismo que yo: justo como el chat este que nos quema los teléfonos a todas horas, y que ya empieza a recibir su correspondiente deformación hispanizante: "guasap"; y para los más cansados, simplemente "guas". Milagros del castellano.

Volviendo de nuevo al tema en cuestión (hoy me disperso que es un gusto), donde no llegó al número uno, se quedó en el dos. Su peor resultado fue en Estados Unidos, y aún así llegó al Top 20. What's Up? se convirtió así en el mayor éxito con diferencia de los 4 Non Blondes, grupo mayoritariamente femenino que nunca volvería a tener el mismo impacto. No obstante, su vocalista, Linda Perry, sí que vería abrirse un próspero futuro produciendo con los años a gente como Pink, Christina Aguilera o Gwen Stefani.

A veces, meter berridos, puede ser el inicio de una gran fortuna.

Letra de la Píldora.

Hasta la próxima.

Cambodia, Kim Wilde, 1981

2012-01-28T23:20:00.001+01:00

Si hay una cosa que desconcierta en esta canción es el fantástico y elegante sonido electrónico que utiliza... para contar una historia propia de la Guerra del Vietnam. Todos nos imaginaríamos canciones de la Creedence Clearwater Revival, de Jimi Hendrix, de los Doors o de los Jefferson Airplane helicóptero en pantalla a lo Equipo A, pero nada más lejos de lo que la familia Wilde (papá, hijo e hija) hicieron allá por 1981.

Efectivamente, para entonces ya no estaban de moda las guitarras pesadas y los gritos varios si se quería alcanzar un buen número uno. Así que Marty (papá) y Ricky (hijo) Wilde, expertos en la materia compusieron un tema más acordes a los estilos new wave plagados de sintetizadores que imperaban, y se lo pasaron a Kim (hija), entonces en la cresta de la ola de su carrera. Sus tres singles anteriores se habían convertido todos en éxitos totales.

Y lo sería también el cuarto, Cambodia, número uno en Francia, Dinamarca, Suiza y Suecia, y Top 5 en casi el resto del continente. Contaba la historia de un piloto británico derribado en Camboya, en una historia que hacía recordar a la de muchos pilotos de la Guerra del Vietnam, precisamente. Sin embargo, en 1981, "Camboya" era un título mucho más sugerente para una narración como ésta. Hacía seis años que el conflicto del Vietnam se había acabado, mientras que hasta muy poco antes su vecino país había sido el terrorífico protagonista del gobierno (por llamarlo de alguna forma) de los Jemeres Rojos de Pol Pot.

Como anécdota curiosa, el tema llevaba inicialmente incluidos los efectos de sonido de un misil derribando a un caza, ya que así se habían imaginado la historia sus creadores. Sin embargo, la portada del single, pasando de todo, colocó un helicóptero en la más pura tradición Apocalypse Now. Y ya se sabe que los británicos son muy meticulosos para esto: decidieron eliminar los efectos del caza para que no chocaran con el grafismo de portada.

Y llegados a este punto, cierro con una brevísima e irónica reflexión: anda que en España nos íbamos a tomar la molestia de tocar una canción por algo así. Eso si hubiéramos pensado en el detalle, por supuesto. Lo siento, pero alguien lo tenía que decir.

Letra de la Píldora.

Hasta la próxima.

Wonderwall, Oasis, 1995

2012-01-27T22:22:00.001+01:00

Si hay una canción que recuerda como ninguna otra al britpop en su momento de mayor gloria, es Wonderwall. Tal vez no sea la más representativa en tanto hubieron otras mucho más divertidas y acordes con el follón que se montón a mediados de los noventa en Camden Town, pero me apuesto cualquier cosa a que la primera o casi que se os viene a la cabeza de aquel momento es la Píldora de hoy.

Aún hoy sigue siendo el tema más conocido de Oasis, lo cual es un mérito con todo el cancionero que llegaron a colocar en las radios durante sus quince tumultuosos años de existencia. Lanzada en octubre de 1995 -aunque ya había sido difundida desde junio- remachó para siempre el éxito de su segundo álbum (What's The Story) Morning Glory, en pleno combate de ventas con sus directos competidores de Blur.

Como curiosidad que seguramente muchos recordaréis, casi en seguida de su lanzamiento se editó una versión en clave sesentero-pijales (ojo, sonaba muy bien) de la mano de unos tipos peculiares llamados The Mike Flowers Pops y que tuvo un éxito no menos arrollador que la original. Y lo de "no menos" es literal.

A pesar de que Wonderwall fue número uno en muchos países, en su Gran Bretaña natal, la misma que los idolatraba, se quedó en el número dos... superados por un dúo carca -pero carca- llamado Robson & Jerome, que triunfó con el tema I Believe. Pues bien, la versión de los Mike Flowers Pops, con apenas dos meses de diferencia ¡igualó la marca de Oasis en los charts con otro número 2!

Seguramente los hermanos Gallagher debieron de alucinar, aunque tampoco me los imagino demasiado tristes. Sería un efecto anímico poco esperable cuando se cobran royalties a paladas mientras otro te pasea tu canción.

Letra de la Píldora.

Hasta la próxima.

Hey Dude, Kula Shaker, 1996

2012-01-26T23:24:00.000+01:00

Para mí que hoy he tenido que coger algo, a juzgar por las carrasperas y la pertinaz nariz tapada. Espero que la cosa quede ahí, pero por si acaso, no le voy a dar cuartelillo al eventual bicho. Así que pasaré hoy un poco fugazmente.

Tras el pequeño arrebato metafísico de ayer, comprensible por las experiencias del día, hoy os dejo con un ejercicio de decibelios y psicodelia como se hicieron pocos en los noventa. Kula Shaker pasaría a la historia del pop como una de las bandas que reeditarían mejor la mezcla hindú y británica en su sonido tan popular en los sesenta.

Sin embargo, nada de eso se adivinaba al escuchar el primer corte de su álbum de debut, K. Hey Dude era un trallazo a todas luces de rock psicodélico sin el menor atisbo de orientalidad. Aunque se trataba de su tercer single (cuarto si se tiene en cuenta el primero de los dos lanzamientos de Tattva), fue éste el tema con el que tomé contacto con la formación británica. Y con una canción así, la cosa no podía fallar: en pocos días tenía mi disco en mano.

Por lo demás, me marcho a la cama a intentar putear (sí, sí, la palabra "molestar" se queda corta para definir mis intenciones) en todo lo posible al incipiente resfriado. Y si no es posible, como mínimo, me pegaré un buen sueño. En todo caso, no pierdo nada. ¡Nanit!

Letra de la Píldora.

Hasta la próxima.

This Is The Life, Amy Macdonald, 2007

2012-01-25T22:30:00.002+01:00

Hoy es uno de esos días en los que uno tiene en qué pensar, pero con mayúsculas. Para ir al grano, os diré que he asistido a un funeral por la madre de una amiga mía... y al poco rato de terminar la emotiva ceremonia he recibido un SMS de otra que acababa de tener un bebé, especialmente querido tras buscarlo mucho tiempo. El alfa y el omega con pocos minutos de distancia.

Explicar lo que se le pasa a uno por la cabeza en estos casos sería torpe y, además, requeriría de mucho más espacio del que tengo aquí. Pero os diré que noticias del día tan penosas como la no culpabilidad de dos granujas o el enjuiciamiento de alguien que busca enjuiciar a criminales pasan a un segundo, tercer y hasta cuarto plano.

Porque vivir tan de cerca en el tiempo la esencia misma de la existencia, su inicio y su fin, trasciende a cualquier pequeñez cotidiana.

Porque esto es la vida.

Letra de la Píldora.

Hasta la próxima.

Go To The Mirror, The Who, 1969

2012-01-24T23:44:00.001+01:00

Hoy os he querido traer una delicatessen clásica que los más puestos en materia habréis identificado enseguida -seguro que ya os estaréis relamiendo a punto de darle al play-; pero también os garantizo a los demás que os va a encantar.

Tommy es uno de los discos imprescindibles de cualquier lista de álbumes que se precie. Concebido como ópera rock -tal vez la primera obra que tenía una estructura realmente merecedora de ese nombre-, explicaba la historia de un muchacho ciego, sordo y mudo (en realidad, sólo por culpa de un trauma infantil) que se reveló una auténtica estrella del pinball.

Efectivamente, Go To The Mirror no fue el tema más radiado de aquel álbum, que incluía clásicos como Pinball Wizard, See Me Feel Me (que era realmente un fragmento musical recurrente) o I'm Free. Sin embargo, el tema de hoy recopilaba en menos de cuatro minutos toda la esencia musical de aquel Tommy muchísimo mejor que ningún otro.

Asimismo, encontraréis que el clip es un tanto peculiar... ¡hasta el punto de ver a Jack Nicholson, Oliver Reed y Anne Margret cantanto la canción de manera intercalada con los propios Who! La causa está en que en 1975, Tommy fue trasladada al cine, y estos tres actores formaban parte del elenco principal ¡y cantaban con sus propias voces las piezas del disco!

Pues bien, un inspiradísimo internauta (hollippertronics, para que quede constancia) recogió las imágenes de la peli donde interpretaban Go To The Mirror, las mezcló con una actuación del grupo y de fondo puso la pista original cuadrándola fantásticamente. El resultado: ya quisieran muchos videoclips la gracia con la que está montado éste. Por eso me he tomado la licencia de seleccionarlo, por delante de otras actuaciones en directo de la banda.

Espero que me disculpéis la licencia, pero creo que merece la pena. Ah, y si queréis escuchar directamente la voz de Nicholson en la escena, pichad aquí. No es lo mismo, pero no os dejará indiferentes, os lo prometo.

Letra de la Píldora.

Hasta la próxima.

Caperucita Feroz, Orquesta Mondragón, 1980

2012-01-23T22:40:00.001+01:00

"Hola mi amor, soy yo tu lobooo..." es una de las frases icónicas de cualquiera que quiera (o haya querido) ligar completamente en broma... a menos que haya sido tan memo como para tomarse la expresión al pie de la letra.

Y es que su mismo origen ya denotaba que la cosa iba dentro de la más absoluta coña. Con ella, la Orquesta Mondragón se afianzaba como una de las bandas más populares de los entonces nacientes años ochenta. Su mezcla de vodevil y de rock -a veces, como hoy, con tonillos punks- y el papel que compartían el histriónico Javier Gurruchaga junto a su partner Popotxo, aquel que tipo flaco que convertía las actuaciones en auténticas perfomances, fueron el sello distintivo de esta banda donostiarra.

El mismo nombre de la formación ya lo decía todo. Para un catalán, "enviar" a alguien a Sant Boi fue durante años sinónimo de decirle que no estaba bien de la cabeza, ya que en esta localidad (colindante a la que yo crecí, Sant Joan Despí) existía -y existe- un conocido hospital psiquiátrico. Pues bien, para un vasco, "enviar a Mondragón" era lo mismo que para nosotros hacerlo a Sant Boi. ¿A que "Orquesta Mondragón" ya no significa lo mismo después de leer esto?

Uno de los hits más recordados de Gurruchaga y compañía era este Caperucita Feroz, toda una acelerada y majara interpretación del famoso cuento que Perrault y los hermanos Grimm recogieron de la tradición oral. Un tema que podéis ver en el clip en una actuación en el programa Tocata. Como apunte, fijáos en la gran juventud del público, prácticamente preadolescentes. Y luego en la performance de Popotxo travestido de sadomaso con peluca. ¿Os imagináis algo así ahora en la tele? ¡Eran los ochenta!

Letra de la Píldora.

Hasta la próxima.

Rebel Rouser, Duane Eddy, 1958

2012-01-22T22:31:00.002+01:00

Forrest Gump es una película que, más allá de su inolvidable e increíble historia (un tipo con un cierto retraso mental que acaba siendo casi de todo durante los años sesenta y setenta, desde héroe del Vietnam hasta campeón de ping pong, pasando por conocer a gentes como John Lennon o destapando sin querer el caso Watergate), destaca por la magnífica selección musical de su banda sonora: de hecho, algunas de sus piezas ya han salido por aquí.

En una (más) de sus memorables escenas, Gump comenzaba a correr delante de la camioneta de los matones del pueblo, de tal manera que acabó colándose en un campo de fútbol americano e iniciando, involuntariamente, el primer capítulo de su peculiar vida: estrella de este deporte. Pues bien, el tema que sonaba de fondo acompañando a aquella carrera era, precisamente, Rebel Rouser, firmada por Duane Eddy.

Rebel Rouser fue el principal éxito de la carrera de este neoyorquino desplazado de niño a la más salvaje Arizona. Y el máximo exponente del particular sonido distintivo de Eddy: un punteo ultra-reverberado que pronto se conoció como "twang" por motivos obvios. Este mismo sonido motivó, precisamente, uno de los tinglados más peculiares montados en un estudio de grabación para su obtención.

Resultaba que los estudios en los que iba a grabar el tema no disponía de cámara de eco, imprescindible para aquel "twang" que se quería conseguir. Pues bien, para improvisar uno, ¡se compró un enorme tanque vació de agua! A un extremo se colocó el altavoz con la salida de la guitarra y, en el otro, el micro. Entre medio, con aquel espacio, se obtuvo el efecto que acabó sonando tal y como podéis escuchar.

Ya veis, en 1958 no tenían software de efectos de sonido varios, pero sí una imaginación que no se la acababan: a la fuerza ahorcan, dicen. Pero fue el punto de salida definitivo de una carrera que estaría en todo lo alto hasta que cuatro caballeretes de Liverpool acabaron cinco años después con casi todo lo habido hasta entonces... aunque en el caso de hoy hubo cierta justicia. Con el tiempo, Duane Eddy se convertiría a su vez en leyenda de la guitarra, e incluso dos beatles grabarían con él. Que lo "twanguéis" bien.

Letra de la Píldora (si la encontráis, podréis pedir derechos de autor)

Hasta la próxima.

Que Sera Mi Vida, Gibson Brothers, 1979

2012-01-21T22:30:00.001+01:00

En los mínimos minutos que me restan de día entre compras, limpiezas y cena con amigos en casa me he vuelto a escapar un momento con el portátil -he prometido a Montse que no serían más de veinte minutos entre todo- para dejar una Píldora de sábado noche total...

...de las de pista de baile presidida por bola de espejos y pantalones elefante travoltianos en ristre. Aunque tampoco hay que tener cincuenta años para haber bailado esto. ¿Cuántas veces no han puesto decenas de DJ's ya incluso en pleno siglo XXI aquello tan tatareado de "¡¡¡quéeeeeee seráaaaaaaa, dimiviiiiidaaaaaaaaaaa...!!!"? Normalmente, eso sí, precedido o sucedido por algo de los Village People, para mantener el mismo rollo disco-excesivo y potenciar bailes imposibles por parte del personal más perjudicado por el vodka, whisky, ron o ginebra.

Sus responsables, los Gibson Brothers, eran tres hermanos franceses procedentes de la isla caribeña de la Martinica. Entre 1979 y 1980 tuvieron un momento de popularidad increíble gracias a dos singles casi seguidos que fueron quemapistas absolutos: este Que Sera Mi Vida, que consiguió el número cinco en el Reino Unido, y el no menos famoso Cuba.

Y me despido ya, que llevo gastados diecinueve de los veinte minutos prometidos, y siempre hay que dejar un poco de margen a esta conexión tan fenomenalmente veloz que tengo. ¡Hala, a bailar!

Letra de la Píldora.

Hasta la próxima.

Geno, Dexy's Midnight Runners, 1980

2012-01-20T22:32:00.000+01:00

Hace mucho, cuando publicamos el primer post de los Dexy's Midnight Runners ya adelantamos que no se trataba de un grupo de un único éxito. Lo que sucedió es que Come On Eileen tuvo una difusión tan enorme, que eclipsó para siempre todo lo anterior de esta banda británica de curioso nombre.

Y entre lo anterior había nada menos que otro número uno, este Geno dedicado al cantante soul Geno Washington, que consiguió desbancar de lo más alto de las listas nada menos que a Blondie con su Call Me, tema central de la exitosísima película American Gigoló.

Curiosamente, las mentes más "brillantes" de la crítica musical "especializada" pensaron que la banda, al lanzar este tema, estaba metiendo la pata, y que no conseguirían la repercusión de otras bandas de aires ska como Madness o The Specials. De hecho, incluso la discográfica intentó que cambiaran de canción para la cara A del single, y que dejaran a Geno como cara B.

Pero como suele suceder, la historia la escribe la gente con minúsculas: la canción empezó a sonar por todas partes, hasta llegar a ser la más vendida en el Reino Unido hacia principios de mayo de 1980. La carrera de la banda se había iniciado con un pie inmejorable (era tan sólo su segundo sencillo) y preparó un éxito que dos años después sería, simplemente, devastador. Pero esa historia ya la hemos contado, ¿no?

Letra de la Píldora.

Hasta la próxima.

I Want To Know What Love Is, Foreigner, 1984

2012-01-19T23:25:00.000+01:00

I Want To Know What Love Is es, sin ambages, una de las mayores baladas rompepistas de medidados de los ochenta: de esas que cumplían perfectamente con el ritual de novietes y perspectivas de ligues bailando en el medio, y chicos y chicas restantes separados en el borde de la pista intentando a ver si la cosa prometía antes de que se acabara aquel periodo de gracia concedido por el DJ. Unos cinco años después, cuando quien escribe comenzaba terciar en esas mismas lides, todavía seguía siendo exactamente igual.

Los responsables de aquellas escenas hormonadas eran los Foreigner, un grupo británico-norteamericano que cosechó un enorme éxito entre finales de los setenta y mediados de los años ochenta. Junto con los Toto, Styx o Boston, era otro de aquellos grupos que formaban parte de lo que se conocía como arena rock, una especie de combinación de rock duro y música muy comercial que hizo estragos: lo de "arena" venía precisamente por su capacidad de llenar estadios.

A Foreigner el principal momento de gloria le llegó a principios de 1985, cuando I Want To Know What Love Is se hizo con el número uno en medio mundo, incluyendo Estados Unidos y Gran Bretaña de forma casi simultánea. Aún hoy sus primeros acordes son perfectísimamente reconocibles desde el primer segundo.

El tema recibió varias versiones con notables ventas, entre ellas la que hizo Mariah Carey en 2009. Sin embargo, ninguna de ellas consiguió ni de lejos evocar a aquellas pistas de baile como la que Foreigner firmaron a finales de 1984.

Letra de la Píldora.

Hasta la próxima.

L'home que treballa fent de gos, Els Amics de les Arts, 2009

2012-01-18T23:49:00.000+01:00

Al igual que ayer, se me ha hecho tardísimo, aunque hoy se debe a deberes varios que se me han extendido hasta última hora... con todo, os quiero dejar una pequeña joya del pop catalán más reciente. Es imposible no disfrutar escuchando esto, si me dejáis decirlo.

Els Amics de les Arts son un grupo barcelonés creado hacia el año 2005, de ultimísima generación. Su estilo mezcla con bastante buen criterio toda una panoplia de estilos que van desde la música folk hasta el pop electrónico, y que el tema de hoy resume perfectamente bien.

En 2009, lanzaron su segundo álbum, Bed & Breakfast, cuyo primer single promocional fue este L'home que treballa fent de gos, una peculiarísima historia de aires costumbristas sobre una fugaz relación entre un animador de fiestas infantiles y la señora que lo contrató, y que no tiene desperdicio.

Hay que decir que el tema funcionó muy bien, e impulsó al álbum hasta el puesto 13 de los más vendidos en toda España, amén de recibir el premio al disco del año por la revista catalana Enderrock y por la emisora Ràdio 4.

Una cosa antes de acabar: para el amigo CtrlAltSupr, que desde casi que monté el blog me estaba aconsejando que pusiera algo de Els Amics de les Arts. Al final lo hise, pájaro.

Letra de la Píldora.

Hasta la próxima.

Loser, Beck, 1993

2012-01-17T23:21:00.002+01:00

Menos mal que he conseguido restablecer la conexión a Internet, porque la verdad es que ya empezaba a dudar de la posibilidad de preparar post hoy... por suerte, hace un momento la cosa ha vuelto a funcionar y aquí estamos. Eso sí, picando a toda pastilla, no vaya a ser que la compañía vaya a darme otra grata sorpresa como la de casi toda la noche.

Así que al lío. De entre los temas que hay ya de Beck en las Píldoras (dos hasta ahora) aún no había sido publicado el que es, desde luego, el más representativo de toda su carrera, un pistoletazo de salida de los que dejan huella -si no se tiene en cuenta el lanzamiento anterior en plan totalmente alternativo de un tema cuyo título afirmaba alegremente que la MTV le hacía fumar crack, menudo fulano-.

Al inicio de 1993, Beck todavía era un outsider total en la escena musical. Hasta poco tiempo antes había subsistido como músico en los circuitos más alternativos de Nueva York, y prácticamente casi había tirado la toalla totalmente sin fondos. Aparte de trabajos tirados, tocaba en cafeterías, donde para ver si le escuchaban a veces metía comentarios y letras coñonas en las canciones. En éstas, un cazatalentos lo captó para un pequeño sello, momento en el que compuso la estrambótica y magnífica Loser, dentro del estilo que usaba en aquellas cafeterías.

Y la cosa funcionó. Al principio de manera moderada, pero lo suficientemente visible como para que un sello mayor, Geffen, quisiera ficharlo. Y al hacerlo, relanzó el sencillo que, ahora sí, acabaría como uno de los temas más significados de 1994. Y del que recuerdo que lo bailábamos en los locales de Plaza Real de Barcelona al grito-alarido de "soooooy un perdedoooor... I'm A loser baby...!. No os riáis, joder. No es que nos inventáramos nada en plan "momento teniente" aprovechando la jarana. Tiene una explicación.

Era tan surrealista la canción, que su estribillo también lo decía en español. Beck is different.

Letra de la Píldora.

Hasta la próxima.

Al alba, Luis Eduardo Aute, 1978

2012-01-16T23:29:00.006+01:00

Durante un momento, por hoy, nos alejaremos parcialmente del asunto musical para centrarnos en la que ha sido la noticia del día, desde luego: el fallecimiento de Manuel Fraga Iribarne. A los más jovenzuelos tal vez se os escape un poco el porqué de tanto follón montado, pero es que este señor se pegó sesenta años en la primera línea política del país. Como ejemplo, cuando era niño, recuerdo perfectamente que sus omnipresentes carteles de Alianza Popular -lo que hoy es el PP- competían por la atención del novato electorado español con los de Adolfo Suárez y Felipe González forrando paredes, postes y, de hecho, cualquier superfície que se terciase.

Como preámbulo necesario, vayan por delante mis respetos por su deceso: creo que es algo que se debe a cualquier persona en cualquier situación y lugar, por muy ex ministro de Franco y votante de sentencias de muerte que se sea. Antes que nada, los que quedamos aquí somos seres humanos. Aunque, ya puestos, este ser humano nacido en Villalba tenía bastantes peros en su haber. Si uno escucha hoy las reacciones de todo quisque -algunos políticos de izquierda incluidos- parece que haya abandonado este mundo poco menos que un santo varón, la versión con testosterona (mucha) y españolísima de la Madre Teresa de Calcuta. Lo menos.

Dejadme que os cuente una historia que dice mucho del carácter real de este individuo que usó el uniforme de Falange y tirantes con la bandera de España, que llegó a afirmar chulescamente que la calle "era suya" y que puso de moda los bañadores calzón en las radioactivas aguas de Palomares.

Como todos sabréis, Al alba fue compuesta por Luis Eduardo Aute como reacción a los fusilamientos que Franco ordenó en septiembre de 1975 a varios miembros de ETA y el FRAP (sí, aunque ahora parezca apenas el recuerdo de un ancianito con un poco de mala leche, aquel tío tenía realmente mucha mala leche y mataba a gente). Su primera versión fue grabada por Rosa León en diciembre de aquel mismo año (tenéis también el Goear de la misma) y coló porque la censura era más torpe que un pulpo con botas y entendió que era tan sólo una canción de amor.

Pues bien, que en 1975 se fusilara a gente en Occidente se consideraba una aberración por parte de cualquier persona mínimamente instruida. Nuestro protagonista -Fraga- andaba por entonces de embajador en Londres vendiendo la moto española a cuantos quisieran escucharle. Y en éstas que le llegaron los fusilamientos: inmediatamente, follón montado en la puerta de la embajada, y todo su anterior trabajo por presentar un país moderno yéndose a hacer técnicamente puñetas. Entre eso, y que consideraba que aquella gente gritando no eran más que comunistas, alborotadores y a saber qué más, no tuvo otra cosa que amenazarles (sí, amenazarles).

Les hizo saber que tenía dos escopetas del doce cargadas con perdigones del cuatro.

Toma diplomacia, toma respeto por la democracia. Pues bien, ése era Fraga al 100% de su esencia. Mi duda a día de hoy es si alguna de aquellas escopetas es con la que años atrás había disparado accidentalmente en una cacería (verídico, oigan) a la hija de Franco... ¡en el culo!

Y a partir de lo anterior, que cada uno se despida de él como mejor le plazca, con todo el respeto del mundo, lo digo totalmente en serio. Yo, por desgracia, a diferencia de todos esos veredictos solemnes que hoy han dejado los notables próceres patrios, no puedo tener las mejores referencias suyas. Aunque lógicamente, la culpa es sólo mía: qué se puede esperar del hijo de un albañil y de una señora de hacer faenas de casa.

Versión de Aute (directo)

Versión de Rosa León (1975)

Letra de la Píldora.

Hasta la próxima.

Personality Crisis, New York Dolls, 1973

2012-01-15T23:33:00.001+01:00

¡Tras dos días de guatequeo, nos vamos de macarreo total! Y de la mano de uno de los grupos con más carácter de la historia del rock, los New York Dolls.

Meterlos en una clasificación es un tanto difícil, la verdad. Formalmente, lo suyo sería el glam rock. De hecho, fuera de Gran Bretaña, en Estados Unidos, fueron la formación que mejor lo representó en el memorable año musical que fue 1973. Eso sí, eran tan bestiajos que para muchos fueron los precursores del punk en su país... y prácticamente en todo el mundo.

Las conexiones entre glam y punk son evidentes, no tanto en lo de las poses y los mensajes -totalmente diferentes- como por la energía que desprendían los grupos de uno y otro estilo. Pero en el caso de los New York Dolls casi podría decirse que ambos movimientos se tocaron con la punta de los dedos: su aspecto y actitud era la propia de unos héroes del glam, pero su potencia y desfase prácticamente los metían en la explosión de 1977 con cuatro años de adelanto. Los Ramones, Blondie y quién sabe si los mismísimos Sex Pistols no hubieran sido lo mismo sin estos tipos.

Y si no, escuchad Personality Crisis, su formidable pistoletazo de salida en 1973. No es de extrañar que tras escuchar esto, muchos adolescentes se animaran a comprarse y petar las guitarras con las que pocos años después pondrían broche a sus crestas, imperdibles, harapos y botas militares.

Aunque nosotros, de momento, nos conformaremos con recuperar por un momento el lado más macarra del rock and roll. Oh yeah!

Letra de la Píldora.

Hasta la próxima.

Something's Gotten Hold Of My Heart, Gene Pitney, 1967

2012-01-14T22:32:00.001+01:00

Seguimos en la estela del pop más amable de los sesenta, iniciada ayer mismo con Dusty Springfield, y hoy de la mano de otro de los grandes de la década, Gene Pitney. Si Son Of A Preacher Man era un tema muy americano en voz de una británica, el de hoy puede decirse que es exactamente al revés, una canción con un marcado aire british interpretado por un artista 100% Made In USA.

Al igual que Dusty, la biografía de Pitney no era la propia que su imagen absolutamente pulida puede dar a entender. Si bien no fue un activista tan marcado como la londinense, su carrera no era la de una mera voz muy peculiar. Ciertamente, comenzó como intérprete en el universo de bustos cantantes repeinados con que la industria norteamericana pretendió domesticar el rock and roll justo antes de la llegada de los Beatles.

Sin embargo, al igual que otro de aquellos "rockeros" de cartón-piedra, Neil Sedaka, Gene Pitney no sólo interpretaba, si no que también componía hits para otros de su misma escuela. De hecho, en cierto momento, uno de sus singles se quedó a las puertas del número uno ¡porque lo ocupaba He's A Rebel, una canción interpretada por The Crystals y compuesta por él mismo!

También puso voz a algunos temas para grandes películas, como Ciudad sin piedad, con Kirk Douglas, o la mismísima El hombre que mató a Liberty Valance, dirigida por John Ford, y con John Wayne, James Stewart y Lee Marvin (de próxima aparición en las Píldoras, ya podéis ir buscando...) en su formidable reparto.

A finales de los sesenta, había trasladado su principal atención al otro lado del Atlántico. Entre otras proezas atípicas para un norteamericano, fue finalista dos veces en el festival de Sanremo. Y regularmente fue obteniendo singles de éxito hasta bien entrados los setenta. El principal de ellos fue, sin duda alguna, este Something's Gotten Hold Of My Heart, que llegó al número 5 en 1967, e inmediatamente comenzaría a ser múltiplemente versionado.

Aunque lo mejor de esta canción fue su epílogo. En 1989, Marc Almond, el antiguo componente de los Soft Cell -"¡Tainted Love, oooooohhh, tan, tan!"- versionó el tema y para ello se hizo acompañar del mismo Gene Pitney. El efecto fue espectacular en las Islas, y esta vez la canción se hizo con el número uno absoluto. Ironías del destino: fue el único en toda la carrera del norteamericano como intérprete. Pero al final, ya se sabe: más vale tarde que nunca.

Letra de la Píldora.

Hasta la próxima.

Son Of A Preacher Man, Dusty Springfield, 1968

2012-01-13T22:21:00.002+01:00

La última vez que apareció por este blog Dusty Springfield ya se advirtió que su aspecto un tanto gazmoño y con crepados imposibles en el pelo no debía engañar sobre el carácter de esta señora. Así, ya vimos que se negó a dar un concierto en Sudáfrica por culpa del apartheid -lo cual tuvo un gran revuelo- y fue una de las primeras cantantes femeninas, si no la primera, en salir públicamente del armario. Lo que se dice un carácter nada convencional.

Hasta que los Pet Shop Boys la rescataron a finales de los ochenta como su musa (lo cual era significativo) el de hoy fue el gran tema de referencia de la carrera de la británica. Y es que Son Of A Preacher Man se convirtió en todo un hit a finales de 1968 a ambos lados del Atlántico.

Si os fijáis, la canción es un magnífico soul que suena muchísimo a Aretha Franklin, salvo en las diferencias entre voces. Tiene una cierta lógica: cuando fue compuesto en su momento, fue precisamente a Lady Soul a quien fue ofrecido, pero lo rechazó. Esto supuso una oportunidad para Dusty Springfield, que lejos de arredrarse, hizo del tema todo un éxito. Aretha, viendo lo que se había perdido, grabaría dos años después su propia versión, pero se limitó a dejarla como cara B de single.

Óbviamente, a muchos, al ver Son Of A Preacher Man, se les habrá pasado por la cabeza Pulp Fiction, de Tarantino. Pues fijáos si el tema había calado en el director, que llegaría a admitir que si no hubiera tenido el permiso para incluirla en el film ¡no hubiera incorporado la escena en la que estaba!

Ya véis, un clásico absoluto de esos que acaban siendo banda sonora de una época... ¡y de una película!

Letra de la Píldora.

Hasta la próxima.

Melody Day, Caribou, 2007

2012-01-12T23:28:00.000+01:00

Hoy os dejo con cierta urgencia y premura una canción de la que hasta este mediodía no tenía ni la más remota idea de su existencia. Curioseando por Spotify me encontré con esta pequeña joyita indie de aires retro, algo así como si los Beach Boys más psicodélicos se hubieran transformado al siglo XXI.

El responsable de esto es un canadiense de nombre real Daniel Victor Snaith, pero que a lo largo de su carrera musical ha llevado varios alias, como Manitoba, Daphni o este Caribou. Y es que el tipo es peculiar en todos los sentidos. Para empezar, no hay muchos artistas que sean, además, doctores en matemáticas. Ahí es nada.

Asimismo, el nombre del disco en el que se incluye este magnífico Melody Day también es un tanto curioso: Andorra. Sí, como donde antes íbamos a por queso y tabaco y ahora subimos a pegarnos unos baños y a disfrutar de las vistas (servidor no esquía, especialmente desde el desastroso día en que lo probó).

Catástrofes nivales aparte, os dejo con este tema, que se ha ganado una Píldora fulminante. Seguro que en un momento entendéis el porqué.

Letra de la Píldora.

Hasta la próxima.

The Captain Of Her Heart, Double, 1986

2012-01-11T21:57:00.000+01:00

Esta mañana, conduciendo, me he llevado otra de esas pequeñas y gratísimas sorpresas que suceden cuando por un momento cambias el dial de las noticias -que dan pena, por no decir algo mucho peor- y te dejas llevar por la música que alguien pincha lejos de tu coche. En general, un cambio de sintonía así tiene un 85% de probabilidades de terminar con el iPod encendido por la tristeza musical que abunda por doquier, pero hoy ha resultado ganador ese 15% restante.

Si os digo que hacía al menos de cinco a diez años que no escuchaba esto, me quedo corto. Así que, cuando el inspirado discjockey optó por pinchar The Captain Of Her Heart, sin quererlo, me inspiró un buen rollo que me duró todo el resto de la mañana.

The Captain Of Her Heart es otro de esos temas que dignificaron musicalmente a los ochenta con aquel pop elegante, de esmoquin, que frecuentó a mediados y finales de década. Sus responsables, el dúo suizo Double, consiguieron con él el mayor éxito de su carrera con diferencia, escalando hasta el Top 10 en casi todo el mundo con aquel riff de piano que conseguía engancharse como el pegamento, por supuesto sin perder lo más mínimo la compostura.

El tema recibió pronto versiones diversas, entre las cuales os recomiendo la que hizo la siempre fiable Randy Crawford en 1997. Hay que decir que Double apenas sobrevivió a su exitazo. Al año siguiente lanzaron su tercer álbum, Dou3le, que no consiguió emular las ventas de su predecesor, lo cual motivó la separación del dúo.

Pero, para entonces, ya nos habían dejado la canción que me alegró esta mañana.

Letra de la Píldora.

Hasta la próxima.

Success, Interpol, 2010

2012-01-10T23:59:00.000+01:00

Tengo que reconocer que para el renombre que tienen los Interpol en el rock alternativo de la última década, no siempre me hacen el peso que cabría esperar. Sin duda alguna, sus discos -escasos, cuatro en total en una década- están llenos de calidad, pero admito que de vez en cuando me parecen un poco cargantes.

Sin embargo, dicho lo anterior, poseen algunas canciones que son, simple y llanamente, magistrales, algunos de los mejores momentos del indie más reciente. Es el caso de Success, la inmejorable obertura de su último álbum, titulado, precisamente, Interpol. El tema nunca llegó a ser lanzado como single (a mi juicio, una lástima), si bien al menos obtuvo una de las pistas de honor del disco.

¿Pero quienes son los Interpol? Estos neoyorquinos, que iniciaron su periplo en 1998, mantienen una música a medio camino entre el pop, el punk y la new wave, siempre dentro de una notable oscuridad en su sonido. Sus influencias son tales, que incluso en sus inicios llegaron a ser considerados apenas un remedo de los clásicos Joy Division. Evidentemente, son mucho más que eso.

Ya véis, os dejo con la antítesis de la Píldora de ayer, juerga ochentera en estado puro transformada hoy en algo mucho más siniestro. Pero si quería traer de una vez a los Interpol, me temo que no había otra opción. Seguro que, de todas maneras, os gustará tanto o más.

Letra de la Píldora.

Hasta la próxima.

Breakaway, Tracey Ullman, Breakaway, 1983

2012-01-09T23:13:00.000+01:00

¿Os acordáis de los momentos de revival sesentero que tenía esto en las discos de los ochenta y noventa? Por lo general, sus aires rockabilly acelerados pasados por el filtro de la modernidad eran garantía para dos minutos y medio de diversión en toda la pista: era imposible no animarse a bailar con esto, aunque fuera de manera poco salerosa, como era mi caso.

Por supuesto, aquellas notas que recordaban a enormes cadillacs y cafeterías llenas de chavales con chaqueta y corbatín, a veces con tupé, a veces con flequillo, tenían toda la justificación del mundo. Y es que realmente Breakaway era una canción hija de la primera mitad de los sesenta, aquella que apenas acababa de conocer a los Beatles y que aún -especialmente en Estados Unidos- seguía anclada en una versión amable de los salvajes cincuenta.

Compuesta en 1964 por la inefable Jackie DeShannon, tuvo que que esperar casi veinte años para alcanzar el éxito. Y lo hizo partiendo no de su Norteamérica natal, si no de Gran Bretaña, de la mano de una cantante británica que apenas acababa de lanzar su disco de debut. Actualmente, Tracey Ullman es toda una celebridad televisiva en ambos lados del Atlántico, aunque le debió muchísimo a su demoledor inicio con este Breakaway.

El tema escaló hasta el cuarto puesto de las listas de éxito de las Islas, y de allí saltó al resto del continente. Por cierto, que una de sus actuaciones (precisamente la que tenéis en el clip) acabó siendo una de las más comentadas y recordadas de la época. ¿Por qué? Pues es de lo más tonto, desde luego, pero fijáos en lo que usa de micrófono. Y es que en el fondo, bien pensado, los ochenta fueron una década en muchos aspectos tremendamente ingenua: algo ideal para divertirse.

Letra de la Píldora.

Hasta la próxima.

Breathless, The Corrs, 2000

2012-01-08T22:36:00.000+01:00

Tras el arrebato tonto de ayer, pensé que la mejor opción era rescatar a uno de los temas más conocidos de una de las formaciones más recordadas de finales de los noventa y de principios de la década siguiente: The Corrs.

Efectivamente, hacia el año 2000, los cuatro hermanos irlandeses procedentes de la localidad de Dundalk estaban en la cresta de la ola, y llevaban a su espaldas tantos álbumes en el número uno como habían editado en estudio. En septiembre lanzaron su cuarto LP, In Blue, que corrió la misma suerte que sus antecesores.

Como aperitivo, en julio publicaron el single Breathless, el cual, para variar con lo dicho más arriba, también fue número uno absoluto en varios países. Entre ellos España, donde sonaba sin cesar a todas horas, y hasta quisiera recordar una versión remezclada para las discotecas que ya por entonces un servidor empezaba a dejar de frecuentar como antaño.

Breathless mostraba a unos Corrs que cada vez se alejaban más de su original sonido folk y country, aunque paradójicamente el tema se inspiraba en una canción que la cantante de dichos estilos Mary Chapin Carpenter había compuesto años atrás. No obstante, ese distanciamiento de sus raices no fue para nada penalizado por el gran público, casi antes bien lo contrario. Porque, tal vez, Breathless no fuera una gran canción, pero es indudable que había acertado totalmente con los gustos del momento. Y eso también tiene su mérito.

Letra de la Píldora.

Hasta la próxima.

Give A Little Love, Bay City Rollers, 1975

2012-01-07T22:34:00.002+01:00

Los Bay City Rollers son uno más de los nombres hoy casi olvidados dentro de la historia del rock, a pesar de que durante algunos años, a mediados de los setenta, atesoraron toda una colección de hits entre los que se contaban al menos dos números uno en el Reino Unido, uno de ellos el de hoy. ¿Cómo pudo ser tamaño posible tamaño olvido tras un éxito tan importante?

En primer lugar, ya en 1975, nadie que en su sano juicio tuviera el más mínimo respeto por el rock bien hecho y compuesto a conciencia mostraba consideración por los Bay City Rollers. Ni más, ni menos. Tenían sus legiones de seguidores, pero a la manera que hoy los tendrían gentes como los Jonas Brothers o la actualización pseudoerótica de la Hanna Montana, Miley Cyrus. Esto es, bailoteo en la disco o tres minutos de gloria en la radio hasta que otro postor se los acabara robando al cabo de unos pocos meses. Pero nada mínimamente indeleble.

Y, en segundo lugar, su momento de esplendor se extendió en el vacío habido entre el final del glam rock en 1974 y la explosión punk de 1977. Por entonces, el panorama musical era bastante mediocre en líneas generales, con salvadas honrosísimas excepciones. El punk, una reacción inevitable a tanto aburrimiento por doquier, barrió a todo aquel gran bostezo hasta aniquilarlo por completo. Para más inri, los muchachos del no-futuro sí que dejaron huella, así que acabaron por remachar el destino de grupos como los Bay City Rollers.

Give A Little Love, lanzado en 1975, supuso el punto álgido de la formación escocesa, y recogía en forma de balada el estilo soft, limpio y casi tontorrón del que hacían gala, ideal tanto para padres como para hijos. Por cierto, que en España se lanzó una edición del single de la canción promocionado por ¡la Mirinda! (lo podéis ver pinchando aquí) lo cual ya decía todo del poco problema que daba este grupo a los defensores de la moral todavía en activo en la España de entonces.

De todas maneras, entre nosotros: para tres minutillos tontuelos, de esos que dan de vez en cuando, tampoco está tan mal, ¿no?

Bay City Rollers – Give A Little Love (por Spotify)

Letra de la Píldora.

Hasta la próxima.

Una estrella en mi jardín, Mari Trini, 1982

2012-01-06T22:27:00.002+01:00

Nunca pensé que una canción podía acompañar a un anuncio de cerveza... ¡y encima quedar bien! Efectivamente, lejos de las playas ibicencas, calas bulliciosas o paseos por todo el mundo, resulta que una sencilla fiesta en un jardín en la que se derrama cerveza ha hecho más por la promoción de una marca gallega que cualquier enésima edición a golpe de sol, arena y mar.

Y, para más inri, ha sido por el efecto tan bien conseguido -por lo surrealista- de colocar el que es, desde luego, el tema más emblemático de una de las cantautoras más famosas de cuantas han habido en el solar ibérico.

Para muchos, la figura de Mari Trini se equipara a la de otras divas de los ochenta, con extravagantes vestidos y voces tremendamente potentes. Si hay algo de cierto en ello, se debe, precisamente, a que era la imagen de la murciana cuando lanzó en 1982 Una estrella en mi jardín, el álbum que contenía el tema homónimo que terminó por convertirla en una de las figuras más representativas de la música española.

Sin embargo, su trayectoria era totalmente diferente a la de otras a las que se la comparó. Lo suyo no era el flamenco, ni la copla, ni nada de ello, si no la música de cantautor, en la que ella se había curtido a lo largo de toda la década de los sesenta y setenta. De hecho, su trayectoria vital tiene un capítulo muy peculiar, que se dio cuando, siendo adolescente, el director de cine Nicholas Ray (el de Rebelde sin causa o Johnny Guitar, entre otras) se convirtió en su manager, la llevó a Londres a estudiar interpretación y llegó a coincidir nada menos que con Peter Ustinov, el inmortal Nerón de Quo Vadis.

Así que ahora, la próxima vez que veáis derramarse cerveza -sea gallega o no- y se os pase por la cabeza esta canción por la gracia de la publicidad, que sepáis (en el improbable caso de que no sea así) que lejos de la coña, forma parte de la banda sonora de este país. Por cierto, voy a tomarme una birrita para acompañar a la cena. Es lo que tiene tanto hablar del tema.

Letra de la Píldora.

Hasta la próxima.

Mind Of A Toy, Visage, 1981

2012-01-05T22:20:00.001+01:00

¡Cuánto tiempo hacía que no aparecían por aquí los Visage! Concretamente, más de dos años desde que colgara su increíble Fade to Grey, clásico total del new wave más electrónico y ultramoderno. Por lo tanto, vamos a volver durante unos minutos a recordar a una de las bandas más punteras del Reino Unido de los primeros ochenta.

Y lo hacemos a través de otro tema de aquel mismo álbum de debut, de igual nombre que el grupo. Mind Of A Toy, lanzado en marzo de 1981 como sencillo, seguía perfectamente la estela distintiva de Visage, un pop sofisticadísimo en el que el sintetizador era el todo por el todo. No obstante, su sonido no era tan distante y fashion como el de Fade to Grey, ya que estaba más pensado para ser bailado aunque fuera de aquella manera tan "fría" que estaba de moda entre los supermodernillos del momento.

El clip, dirigido por los antiguos componentes del grupo 10 cc Kevin Godley y Lol Creme -que durante los ochenta se harían cargo de algunos videos memorables, como el de Every Breath You Take, de The Police- era toda una obra maestra del surrealismo postmoderno. De hecho, captaba perfectamente la imagen excesiva a la vez que sintética que la banda en la que militaba Midge Ure -el mismo que lideraba también por entonces Ultravox- pretendía dar en aquel momento.

Estoy seguro de que a la mayoría os gustará. Por lo demás, espero que esta Noche de Reyes los tres magos os sean propicios trayéndoos todo aquello que hayáis pedido y, sobre todo, un fantástico año por delante. Una cosa más: recordad que, por unas horas, todos tendremos la mente de un niño... que en el fondo, es la mente de un juguete.

Letra de la Píldora.

Hasta la próxima.

Think, Aretha Franklin, 1968

2012-01-04T22:00:00.001+01:00

A mediados de los noventa no había discoteca en Barcelona (sí, incluso yo salía de vez en cuando más allá de pubs y garitos de guitarras y demás trastos de meter ruido) en los que el personal no se pusiera a dar alaridos en clave de "Freeeedoooooommm, freeeeedoooom...". Normalmente, tras aquello, las pobres cuerdas vocales quedaban tan maltrechas que casi se quitaban hasta las ganas de fumar.

Y es que los disckjockeys de entonces tenían como costumbre pinchar este Think de Aretha Franklin como mínimo una vez en la noche. Eso sí, se trataba de una versión que la propia Lady Soul regrabó en 1989 y que, en mi modesta opinión, no tenía la misma potencia de la original de 1968 (la que podéis escuchar por Goear)

Por supuesto, la fama de esta canción de Aretha procedía de mucho antes de los años noventa. En realidad, ya desde su primer lanzamiento se convirtió en un hit en toda regla, subiendo hasta el primer puesto de la lista de música negra (entonces se llamaba así a la actual lista de Rythm and Blues y Hip Hop) y hasta el séptimo del Billboard general.

Sin embargo, Think acabó de entrar en la leyenda una década más tarde, cuando formó parte de la banda sonora de Granujas a todo ritmo, el peculiar título que se le dio en España al film The Blues Brothers, de 1980. Por cierto, que si véis en el clip a Aretha como que no acaba de cuadrar muy bien los labios con la letra, tiene una explicación. En la peli se le hizo actuar en playback, algo a lo que la cantante no estaba en absoluto acostumbrada por actuar siempre en directo. Así que toma tras toma había que volver a rodar. Finalmente, tras muchos esfuerzos, se dejó tal y como quedó más abajo, que menos daba una piedra.

Genio y figura. Y pensar que hay gente que sólo canta en playback por la tele... aprended de los (y las) cantantes de verdad.

Letra de la Píldora.

Hasta la próxima.

Santuari on fire, Búhos, 2012

2012-01-03T22:33:00.003+01:00

Al igual que hace dos meses os comentaba con la Píldora dedicada a los Kill Me Later, presentaros a grupos de Calafell siempre añade un plus de motivación a la hora de plantear un post. Y es, precisamente, el caso de hoy.

Estoy seguro que a bastantes de vosotros el nombre de los Búhos no os será desconocido a estas alturas, muy especialmente además en el caso de que seáis aficionados al Barça. Como sabréis, si su música se caracteriza por algo, es por montar una fiestaza allí donde suena. Yo los he visto actuar de noche en la Playa de Calafell, y os aseguro que la capacidad que tienen para liarla parda -en el mejor sentido de la expresión- está fuera de toda duda.

Comentarios aparte, el tema que os presento esta noche es una primicia total. Acostumbrados a canciones pretéritas o muy pretéritas, aderezadas con puntuales expediciones hasta el presente, lo que escucharéis en un momento es aún futuro: se publicará oficialmente el 4 de enero. Esto es, mañana mismito.

Santuari on fire es el primer sencillo de este trabajo, titulado Cau la nit. En este sentido, no defraudará a los seguidores de la banda, dentro de su habitual estilo a medio camino entre el rock y el ska. Así que si tenéis un sarao próximamente entre manos, no tenéis excusa para aburriros lo más mínimo. Pinchad esto, y movidón garantizado. Palabrita.

Buhos – Santuari on fire (por Spotify)

Letra de la Píldora (¡es tan nueva, que aún no he encontrado ninguna letra colgada por ninguna parte!).

Hasta la próxima.

The Underdog, Spoon, 2007

2012-01-02T22:29:00.002+01:00

Salvo que os vaya mucho el rock alternativo norteamericano, es probable que la mayoría no hayáis escuchado nunca hablar de estos tejanos. Sin embargo, en Estados Unidos son muy conocidos y han actuado incluso en los principales late shows (estoy a la espera de un buen nombre en castellano para definir a los programas tipo Buenafuente y compañía), además de poner música a series y películas.

Realmente, los Spoon son todo unos veteranos de la escena musical estadounidense, con un origen que se remonta nada menos que a 1993 -que aunque suene reciente, son ya casi veinte castañas. Así de duro-. Su gran salto a la fama fue ya en la década del 2000, con discos que sucesivamente fueron escalando cada vez más alto en los charts indies.

Hay que decir que el origen de su nombre es un tanto extravagante, al proceder del título de una canción de la formación vanguardista alemana de los setenta Can. Como nota al pie, os diré que la música de Can no era en absoluto accesible, más cerca de las vanguardias contemporáneas que del rock and roll.

Pero no os asustéis, los Spoon sólo recogieron de aquellos elitistas alemanes el nombre. Su sonido, aunque toca muchos palos, está mucho más adecuado a los gustos de la mayoría. Sin ir más lejos, en cuanto escuchéis esta estupenda The Underdog os parecerá recordar durante un momento a grupos como los Dexy's Midnight Runners (los del famosísimo Come on Eileen).

¿A que ahora os pica un poco más la curiosidad?

Letra de la Píldora.

Hasta la próxima.

Wonderful Life, Black, 1986

2012-01-01T23:14:00.000+01:00

La verdad es que pocas canciones se me ocurren más apropiadas que ésta para iniciar un nuevo año que será difícil en tanto nos lo pondrán así, pero que lo será menos en tanto nos lo facilitemos nosotros mismos. Y es que Wonderful Life es una pequeña descarga de energía positiva y de buenas vibraciones ensoñadoras como las que el británico Black (de nombre real Colin Vearncombe) nos dejó allá por 1987.

Sí, he dicho 1987, a pesar de que arriba, en el título, hayáis leído 1986. De hecho, si tenéis buena memoria os sonará mucho más la primera referencia que no esta segunda. La causa de ello parece casi increíble, vista desde la tremenda fama del tema conseguida a posteriori.

Y es que, en realidad, Black lanzó su single por primera vez en 1986... y no lo escuchó prácticamente nadie. De hecho, no llegó a salir de las Islas Británicas, y allí sólo subió hasta un irrisorio puesto 72 de las listas. ¿A que parece extraño? Pues bien, su primera discográfica no debió de estar por la labor promocional, mostrando un olfato propio de una estatua de mármol.

Así que tras aquel desastre inicial, Black decidió cambiarse a la mucho más perspicaz A&M Records, que en 1987 volvió a apostar por la canción relanzándola. Y entonces sí que sonó la campana: escaló hasta los primeros puestos de las listas en toda Europa, y se nos coló en la cabeza de una manera absolutamente indeleble hasta el día de hoy.

Estoy seguro que os habrá gustado la elección de hoy... una pequeña apuesta sobre seguro por mi parte. Pero creo que pensando en un mundo mejor haremos posible que éste se nos acerque un poco más. ¡Feliz 2012!

Letra de la Píldora.

Hasta la próxima.

Papa Was A Rollin' Stone, The Temptations, 1972

2011-12-31T18:03:00.001+01:00

Llegado el 31 de diciembre, y la Fiesta de Nochevieja, creo que es el momento de desearos un

¡FELIZ Y PILDORERO 2012!

Me queda deciros que nos vemos, cómo no, en el Año Nuevo... aunque antes, junto a este pedazo de tema de los Temptations, os propongo una pequeña fiesta funky con los posts que quedaron sin colgar a lo largo del año y que hoy recuperamos colocándolos en sus correspondientes días. ¡Que lo paséis de coña!

Píldora funky de Nochevieja nº2: Stand!, Sly and The Family Stone, 1969

Píldora funky de Nochevieja nº3: Move On Up, Curtis Mayfield, 1970

Píldora funky de Nochevieja nº4: September, Earth, Wind and Fire, 1978

Píldora funky de Nochevieja nº5: Me and Mrs. Jones, Billy Paul, 1972 (una lentita para acabar...)

Letra de la Píldora.

Hasta la próxima.

Changing, The Airborne Toxic Event, 2011

2011-12-30T19:33:00.000+01:00

Los que os hayáis dejado caer ahora mismo y no hayáis estado al tanto del aviso en Facebook, supongo que habrá "algo" que os habrá llamado la atención en las Píldoras. Sí, avezados pildoreros, tras casi dos años desde la última modificación (los más veteranos, ¿recordáis sus primeros meses en aquel verde omnipresente y casi sin nada más que los posts y el archivo?) he pensado que había que dar ciertos retoques.

El más importante de ellos es la aparición de la columna -frame, para los entendidos- de la izquierda. En los últimos tiempos, la enorme lista de músicos había casi enterrado a la mayoría de aplicaciones existentes en la única columna existente hasta ahora, la de la derecha. Entre ellas, la que más me gusta, que es la que da constancia de los diez últimos comentarios. Precisamente por ello, preside ahora el nuevo espacio reservado a la izquierda de los posts.

Por lo demás, aprovechando que el Pisuerga pasaba por Valladolid, pensé que una cierta renovación de la imagen podía estar bien, cambiando el blanco predominante por el gris. Además, se ha sustituido la cabecera antigua, con la mano sosteniendo una píldora (qué obvio, ¿no?, ¡je, je, je!) junto a una batería, por esta silueta de los Beatles cruzando Abbey Road presidida por el título y el subtítulo. Por cierto, que en éste último he añadido un "desde Calafell" para que el 90,5% de visitantes que no son de Cataluña (entre ellos dos tercios procedentes de fuera de España) puedan conocer el gran municipio donde vivo.

Espero que os guste. De momento, casualidad o no, a falta de dos horas y media para que cambie el contador de visitas a mañana, estamos prácticamente igualados al récord de las mismas de hace pocos días. Por lo tanto, hoy destrozaremos por completo aquella marca, que estaba en 629 visitas en 24 horas.

Ya veis, grandes noticias para este blog. Aunque la mejor de todas es saber que estáis frente a él cada vez que os apetece escuchar música. ¡Una música que, a veces, puede ser hasta buena!

PS: Changing -de título intencionado, como no se os habrá escapado- es uno de los singles de más éxito dentro de los circuitos indies norteamericanos por parte de la formación californiana The Airborne Toxic Event. Espero que os guste. Y sí, ya sé que que Changes, de David Bowie, hubiera estado asimismo muy apropiada y es más conocida, pero ya llevamos cinco Píldoras del Duque Blanco y también mola escuchar cosas nuevas, ¿no?

Letra de la Píldora.

Hasta la próxima.

En algún lugar, Duncan Dhu, 1987

2011-12-29T23:21:00.000+01:00

No sé cómo me lo monto, pero estos días estoy más liado que de costumbre, así que acabo llegando al portátil a la hora que Dios quiere. Y encima, con unas ganas de coger el sobre que ni os cuento, así que espero que me disculpéis agunas brevedades sobrevenidas.

Para compensarlo, os dejo con otra de las joyas de aquel álbum mítico de los Duncan Dhu, El grito del tiempo, uno de los más vendidos en nuestro país en 1987. De hecho, casi podría decirse que, de toda la discografía de los donostiarras, el tema de hoy, En algún lugar, ha acabado siendo el más recordado de cuantos grabaron, con el permiso de aquel centenar de gaviotas con las que se dieron a conocer en sus inicios.

Y entre nosotros, ¿a que sería estupendo algún lugar como el que olvidaron construir?

Letra de la Píldora.

Hasta la próxima.

Polk Salad Annie, Tony Joe White, 1969

2011-12-28T23:42:00.001+01:00

El tema de hoy podríamos compararlo en términos hispanos a si alguien dedicara una canción a las costumbres de lo más recóndito de Andalucía, o de Castilla, o de cualquier otro lugar siempre alejado de las grandes ciudades. Porque este éxito -que lo fue- del sureño Tony Joe White recreaba la dura vida y costumbres de su Luisiana natal durante su infancia.

Como por ejemplo, las humildes ensaladas que hacían con una especie de hierba del lugar, la Phylotacca, con la que en momentos de necesidad se alimentaban los moradores de aquel rincón de Estados Unidos. Esta ensalada era conocida, precisamente, como poke salad o polk salad.

Y, ya de paso, White recordaba otros pasajes de su infancia, como los pantanos de la zona o sus peligrosos aligators, los cocodrilos que campaban por allá. O a la endurecida Annie, cuya madre cumplía condena haciendo trabajos forzados, y que era toda una especialista en dichas pobres ensaladas para comer.

Polk Salad Annie acabó entrando en el Top 10 norteamericano, aunque se tomó su tiempo para ello. De hecho, tardó nueve meses en entrar en el chart, y la discográfica lo llegó a dar por perdido. Tan sólo la demanda que se iba manteniendo gota a gota en Texas le dio vidilla hasta que, finalmente, saltó a California y, desde allí, al resto del país.

Como puede verse, una trayectoria no menos tortuosa que la vida de la tal Annie. Os recomiendo que escuchéis las dos versiones, tanto la del clip como la del vículo de Goear, ligeramente distintas. De todas formas, no dudo que, en cualquiera de las dos, se os irá sin querer el pie.

Letra de la Píldora.

Hasta la próxima.

Always On My Mind, Elvis Presley, 1972

2011-12-27T22:25:00.001+01:00

Hay canciones que triunfan sobreponiendo versión tras versión, lo cual le acaba otorgando un status de imperecedera. Aunque en alguna ocasión, como en la presente, las sucesivas interpretaciones hubieran acabado relegando a las anteriores a un relativo olvido, a despecho de su éxito inicial.

Always On My Mind ha recibido, desde su primer lanzamiento, en 1972, centenares de versiones, generalmente por parte de artistas country, en el que se enmarcaba la canción. Sin embargo, de todas ellas, cuatro son las que posiblemente merecen cierta atención en base a lo dicho más arriba.

La primera de ellas fue la que grabó y lanzó Brenda Lee -aquella que, como adolescente, había cantado el clásico I'm Sorry en 1960-. Lee, con ella, obtuvo cierta repercusión en el mundillo country. Sin embargo, tuvo realmente mala suerte con la siguiente versión que alcanzó la fama.

Y es que cuando el mismísimo Elvis Presley, ya convertido en semidiós de Las Vegas, tocaba una canción, la convertía en todo un acontecimiento. Apenas semanas después que Brenda Lee, el Rey grabó su versión, que se ajustaba como un guante para explicar su separación reciente de Priscilla. Su interpretación resultó tremendamente emotiva y, a pesar de que inicialmente se editó como cara B de single, se difundió igual que su cara A. De hecho, en Gran Bretaña llegó al Top 10 de las listas precisamente como canción principal del sencillo.

Y así, durante diez años, la de Elvis fue la versión por antonomasia, totalmente olvidada la de Lee. En 1982, el pelirrojo Willie Nelson hizo la suya propia, que nuevamente se convirtió en un enorme éxito de ventas premiado incluso con varios Grammys. Sin embargo, nuevamente, estaba cerca de ser sustituida por la que hasta hoy ha quedado como la más vendida y conocida de todas ellas.

Habéis acertado: se trata de la fantástica y rompedora versión que en 1987 grabaron los Pet Shop Boys, una historia ya contada en su día en este blog. De todas maneras, estoy convencido de que su reinado, visto lo visto, lo es sólo de momento...

Letra de la Píldora.

Hasta la próxima.

Mamy Blue, Pop-Tops, 1971

2011-12-26T23:59:00.001+01:00

Os prometo que hasta este momento no he llegado a casa desde que salí a mediodía a la tradicional comida de San Esteban -Sant Esteve por estos pagos-, una propina gastronómica a la Nochebuena y la Navidad en toda regla. En este sentido, no os ocultaré que ando con el cuerpo más para allá que para acá, así que los próximos días hasta Nochevieja va a tocar una buena ración de ley y orden a la hora de comer y cenar. Que uno ya no es lo que era.

De todas formas, antes de cerrar el garito por hoy, os dejo con esta canción que, al menos los que estáis en España, es imposible que no hayáis escuchado varios millones de veces... aunque sea mediante su estribillo transformado en alegre cantinela de farra después de comer. Era precisamente nuestro irregular caso de esta tarde, así que ya sabéis el porqué de su publicación esta noche.

Los Pop-Tops fueron uno de los grupos más interesantes del pop español de finales de los sesenta y principios de los setenta, con un estilo a medio camino entre el soul y el pop sinfónico. A lo largo de su carrera, liderada por su cantante, el caribeño Phil Trim, atesoraron una buena colección de éxitos, el mayor de los cuales fue este Mamy Blue de 1971. De hecho, su impacto trascendió a las fronteras españolas, y consiguió entrar en diversas listas de éxitos, incluyendo la norteamericana.

Y nada más por hoy, que ya es heroico el hecho de andar todavía activado. Espero que os haya gustado o, cuanto menos, que os haya dado alguna idea para tatarear la próxima vez cuando se os acabe el repertorio de villancicos. La verdad es que se ríe uno mucho cantando esto y rascando la botella de anís con una cucharilla.

Letra de la Píldora.

Hasta la próxima.

Wonderful World, Beautiful People, Jimmy Cliff, 1969

2011-12-25T22:26:00.001+01:00

Entre comida y comida, bebida y bebida, y demás gestiones diversas propias de estas horas, me robo un brevísimo momento para dejaros con un pedazo de canción ideal para un día como hoy por su buen rollo total. Con Wonderful World, Beautiful People, el jamaicano Jimmy Cliff saltaba por primera vez a la primera línea musical en una carrera que se vería jalonada de numerosos éxitos a lo largo de los años siguientes... y que repasaremos en su día por aquí.

Eso sí, yo no me hago cargo si, tras escucharlo, os da por los cigarritos de perejil o por las pipas de la risa tonta. Desde siempre, lo mío han sido más los turrones y, si acaece, una copita de Cointreau. Al fin y al cabo, la risa y la posterior siesta/clapada general me las pego igual, así que, ¿para qué complicarme la vida?

¡Espero que hayáis tenido un gran día de Navidad!

Letra de la Píldora.

Hasta la próxima.

Do They Know It's Christmas? Band Aid, 1984

2011-12-24T19:27:00.001+01:00

Como es tradición tal día como hoy, no tengo menos que desearos una

FELIZ NOCHEBUENA Y FELIZ NAVIDAD,

y agradeceros una vez más que estéis ahí al pie del cañón. De todas maneras, en esta ocasión, como habréis visto por el tema escogido, sí que os pediría que no olvidárais a aquellos cuyas Navidades no serán a lo mejor tan brillantes como las de los demás tras años de crisis, o por vivir fuera de nuestra burbuja consumista. También es Nochebuena para ellos. Y sí, ya sé que parece el discurso del rey, pero coño, ya me entendéis lo que quiero decir.

¡Un abrazo, Pildorer@s!

PS: os comunico que ayer se batió ampliamente el récord de visitas del blog, que lleva unos días disparado como un cohete. Fueron 629 entradas, pero a este ritmo, no las tardaremos en superar. Gracias de nuevo, sois estupendos.

Letra de la Píldora.

Hasta la próxima.

Cum On Feel The Noize, Slade, 1973

2011-12-23T22:33:00.000+01:00

Los que habéis ido siguiendo el blog desde sus inicios, y aún desde un tiempo después, os habréis topado con más de una Píldora de los que considero unos auténticos hooligans del glam rock, en su sentido más amplio: los Slade. No es para menos, en tanto durante la primera mitad de los setenta sus singles se contabilizaban como auténticos hits casi sin excepción, con unas ventas literalmente millonarias.

Sin embargo, entre toda aquella colección de éxitos, el que acabó quedando como más recordado -y vendido- fue este Cum On Feel The Noize, que en el slang de la banda no quería decir otra cosa que "vamos, siente el ruido". Y hago la especificación, porque a menudo su transcripción por parte de puritanos y meapilas se ha terminado haciendo en inglés académico, esto es, "Come On Feel The Noise". ¿Por qué? Buscad en inglés qué quiere decir "cum" y lo sabréis.Y es que los censores de todo tiempo y lugar siempre han sido unos malpensados... y unos cerdotes. Si no, de qué iban a tocar un título tan cheli como éste.

Como fuese, en 1973 no se andaban con tantos remilgos, y el single se alzó hasta el número uno absoluto... en la misma semana de su lanzamiento. Algo que no se conseguía en el Reino Unido desde que nada menos que los Beatles lanzaran en 1969 su Get Back. Por si fuera poco, en el resto de Europa también fue uno de los sencillos más vendidos en la primavera del 73... un logro que, como contrapartida, no fue posible ni de lejos al otro lado del Atlántico.

Sin embargo, si tenéis un conocido norteamericano, o lo sois vosotros mismos -me consta que se sigue muchísimo el blog en los USA, especialmente en California y... en Georgia- es muy probable que no sea desconocido el tema de hoy. La causa está en la versión que diez años después, en 1983, hizo el grupo Quiet Riot, que, esta vez sí, se coló en los principales puestos del Billboard, además de relanzar la canción nuevamente en Europa.

Os dejo, pues, con la quintaesencia de la música Slade: comercial, potentísima y, sobre todo, muy ruidosa. Cuando la hayáis escuchado, me contáis luego si no es apropiado si título. Sin guarradas, por supuesto.

Letra de la Píldora.

Hasta la próxima.

The Winner Takes It All, Abba, 1980

2011-12-22T22:32:00.000+01:00

Ayer, junto a Mercè -la que veis en bastantes comentarios por aquí- asistí a un evento bastante peculiar, por lo menos para mí. Como fuera que le apetecía ir, y en su hogar no podía reclutar a nadie, recurrió a un valor seguro para meterse en saraos peculiares, que es quien escribe. Así pues, ayer por la tarde, estuvimos en una subasta. Sí, de esas como las que salen en las películas, llenas de cuadros, gente rancia y una persona con un mazo de madera pegándole a un tarugo cada vez que pasaba de trasto subastado. Por supuesto, la visitamos como meros turistas observadores, que no está el horno para gilipolleces.

Dicho así, sale a traslucir el individuo poco sofisticado que en muchas ocasiones suelo ser, pero es que aquello era -y me darás la razón, Mercè- un tostón de superlativa magnitud. Uno, en su desconocimiento de esos lugares, se imagina a dos o tres tipos envarados y con naftalina hasta en las orejas pujando cifras astronómicas por obras de arte de aparente incalculable valor.

Pues bien, casi nada de lo anterior, al menos ayer, concordaba con esa imagen, os lo aseguro. Para empezar, cuando llegabas, te encontrabas en una sala llena de gente que, al menos, tenía la decencia de cumplir con las expectativas de ranciedad en bastantes casos. Y ahí acababa toda similitud con lo preconcebido. Según comentaba Mercè, que ella sí que entiende de arte tela, y aún tela y media, el grueso de lo que allí se subastaba era de un valor más bien mediocre. Y sus precios de salida también eran mucho (pero mucho) más modestos de lo que os podáis imaginar. Nada de miles de millones en un cuadro. Los había hasta de 200 euros, vamos, una birria.

Y las pujas. Menudo aburrimiento, ladrillo y tostón. Ni rastro de audaces millonarios sacando la pasta para comprar un jarrón Ming o un Velázquez. A lo sumo, de vez en cuando -muchos objetos se quedaban sin colocar- dos o tres pujillas (a menudo por teléfono) por dibujos o cuadros de poco valor, con subidas en cada caso de apenas 50 euretes. Glamour a tope. Por lo visto, la crisis también ha llegado hasta estos extremos. Como nota aparte, os diré que no vi cava en la mesa de bebidas, pero sí Coca Cola. Toma ya, y eso que era una casa de subastas de cierto renombre.

Así que tras un rato, optamos por retirarnos de allí, antes de que se nos escapara -particularmente a mí- un sonorísimo bostezo tras haber recorrido visualmente el catálogo de objetos unas 57 veces. En definitiva, salimos bastante desilusionados de allí tras la asistencia. Pero buena parte de la culpa era nuestra o cuanto menos, mía: es lo que tiene ir por la vida con demasiadas expectativas.

PS: The Winner Takes It All, enésimo número uno de Abba, como supondréis, no trataba de ninguna subasta ni de nada por el estilo. Pero el título recoge bien lo que pensaba que sería aquello antes de llegar. Como intuiréis, en la historia de la música de todos los tiempos, las pujas de subastas no han sido temas recurrentes para las canciones, y las pocas que hay ni matan demasiado ni mucho menos tienen grandes clips al efecto. Así que, en mis obvias limitaciones, esto es lo mejor que os propongo. Que al menos disfrutéis con la música.

Letra de la Píldora.

Hasta la próxima.

Natural Blues, Moby, 2000

2011-12-21T23:59:00.003+01:00

Lamento las horas... y la brevedad más que manifiesta, porque estoy que me caigo y marcho a dormir. Pero no sin antes dejaros con otro de los tropecientos singles que Moby sacó de su archivendido Play de 1999. De Natural Blues se hicieron dos clips, uno rodado con Cristina Ricci, en el que aparecía un Moby al final de sus días en un asilo, y el otro animado a la manera del que ya hiciera para su anterior sencillo, Why Does My Heart Feels So Bad?.

Como quiera que éste último me da mucho mejor rollo, aquí os lo dejo. Nos vemos en la próxima, familia.

Letra de la Píldora.

Hasta la próxima.

El Cristo de Palacagüina, Elsa Baeza, 1977

2011-12-20T22:24:00.000+01:00

Esta es una de las canciones que, desde que era pequeñito, pequeñito (vamos, desde los tres años en adelante) me acompañaron ya para siempre. Y es que aún hoy, cuando suena El Cristo de Palacagüina no tengo por menos que detenerme un momento y, más allá de la historia bellísima que cuenta, permitir que me vengan a la cabeza recuerdos de la niñez.

Uno de estos recuerdos es el de las excursiones a la playa de Terramar en Sitges. En aquella playa, que no es de arena si no de cantos rodados -creo que ya lo conté alguna vez- hacíamos auténticas cazas de bichos comestibles de todo tipo que luego iban por la noche a la plancha de la cocina de casa. Nunca he comido tantas tallarinas como entonces, os lo aseguro.

Con los años, los hábitos playeros cambiaron, pero la canción, que ya entonces se había grabado debajo de mi pobladísimo flequillo (sniff, sniff...), siguió siendo una de las que más me gustaban. Pero ahora por su letra, que era todo un canto a la Teología de la Liberación, poniendo a Jesús nada menos que como un futuro guerrillero contra la opresión. Toma ya.

La causa de este mensaje había que encontrarla en su creador, Carlos Mejía Godoy, un compositor y músico nicaragüense de izquierdas que por entonces también era muy famoso con un tema mucho menos comprometido, Son tus perjúmenes, mujer. Mejía Godoy mantenía unas ideas muy comprometidas con la guerrilla sandinista de su país y fue él mismo el que compuso el no menos famoso Credo de la Misa Campesina, que también interpretó la cantante cubana con éxito aún mayor si cabe que con el tema de hoy.

En fin, recuerdos de niñez y lucha por los oprimidos. Razones más que suficientes para dedicar el post que tenéis delante y que voy a dejar que me emocione un poco una vez más.

Letra de la Píldora.

Hasta la próxima.

Kickstart My Heart, Mötley Crüe, 1989

2011-12-19T23:39:00.000+01:00

Mötley Crüe fue uno de los grandes grupos de glam metal -esa vertiente del heavy metal a golpe de maquillajes y permanentes capilares varias- de finales de los años ochenta. Como buen representante de su estirpe, además del estilismo francamente olvidable, se hizo acreedor de una serie de éxitos que trascendieron más allá de los circuitos metaleros.

Uno de los más conocidos -especialmente si os iba este rollo- era Kickstart My Heart, que reunía todos los ingredientes musicales de aquel estilo, conjugando potencia de sonido con una evidente orientación comercial que buscaba a todos los públicos posibles. Además, su letra hacía honor al way of life excesivo del que hacían gala todas aquellas formaciones heavies.

Resulta que, en 1987, los Mötley Crüe se encontraban de gira con otros astros en ascenso por entonces, los Guns N' Roses. Pues bien, en la habitación del hotel ocupada por el guitarrista de éstos, Slash, el bajista de los Mötley Crüe, Nikki Sixx, pilló una sobredosis de órdago que acabó con él en estado clínicamente muerto. Sólo in extremis, la novia de Slash consiguió resucitarlo literalmente. Lo que se dice una escena propia de Trainspotting, por lo menos.

Para terminar, un apunte: si sois muy aficionados al rock, el riff del tema de hoy os sonará algo. Y es que es muy parecido al que los Sweet se habían marcado en 1973 en su potentísima Hellraiser (me la apunto para otro día). Pero al fin y al cabo, un poco de lógica tenía la cosa: todo quedaba entre compadres glamurosos, por más macarras y bestiajos que fueran.

Letra de la Píldora.

Hasta la próxima.

El Límite, La Frontera, 1989

2011-12-18T22:24:00.003+01:00

Hace no mucho, un grupo de majaras montamos un grupo de Facebook restringido -algunas majaradas hay que mantenerlas al margen de miradas indiscretas- en el que la cosa va de meter música... y esperar a ver qué dice el resto. Más allá del nivel musical incuestionable que hay, es esto último lo que es más divertido: tanto los comentarios a favor como en contra (los mejores para echarse unas risas, palabrita), aderezados de reflexiones y reacciones que suelen cerrar el día con el mejor humor.

Y claro, una manera de darle cuerpo al asunto ha acabado siendo montar algo así como monográficos. Así, la semana que acaba ha estado dedicada al pop español, lo cual en ocasiones ha acabado derivando en situaciones surrealistas: sólo os diré que a algunos individuos/individuas se nos ocurrió en cierta noche subir cosas como La Ramona de Fernando Esteso, Saca el Güisqui Cheli, o cierta comparsa gaditana cuyos miembros íban disfrazados de... ídems. De verdad de la buena.

Con todo, de vez en cuando se imponía la cordura y salía lo más granado del rock español de las últimas décadas en adelante. Cuando esto ha sucedido, no han faltado nombres como Serrat, Radio Futura, Vetusta Morla, Golpes Bajos, Alejandro Sanz y otros muchos en una sucesión constante de clips y comentarios que -aún siendo a veces dificilísimos de seguir a la velocidad debida en los momentos en los que la mayoría de los habituales estábamos a piñón- han servido para terminar cada día yéndose a dormir tan relajado como si uno viniera de la playa.

Uno de los temas que voy a dejar esta noche en el grupo para cerrar esta semana Made In Spain será, precisamente, este El Límite, de La Frontera. Junto a Juan Antonio Cortés y Judas, el Miserable, fueron las tres grandes canciones de estos madrileños que movieron nuestras cervezas sabatinas nocturnas en la Cornellà de los noventa.

Por cierto, que me parece que la semana que viene va a tocar poner bandas sonoras. Os confieso que me apetece echarle mano al tema... pero, entre nosotros, la cosa tiene un riesgo cierto de acabar en términos surrealistas como el rosario de la aurora. Eso sí, si es así, qué risa me espera.

Letra de la Píldora.

Hasta la próxima.

Fireball, Deep Purple, 1971

2011-12-17T22:26:00.001+01:00

Hacia 1971, los Deep Purple comenzaban a adentrarse más y más en su nueva faceta heavy metal, en las antípodas de su recienteísimo pasado psicodélico y sinfónico. Uno de los pasos más notables en este camino fue el lanzamiento de Fireball, en el verano de aquel año.

Aquel aceleradísimo tema, en el que la guitarra, el bajo, la batería y hasta el órgano parecían sonar a un ritmo esquizofrénico, se convirtió rápidamente en una referencia obligada de la formación. Hay que decir que, por entonces, aún no habían editado sus históricos Highway Star ni Smoke On The Water, su ultra ensayada pieza por cualquier aspirante a metalero con unas mínimas aspiraciones.

En cierto modo, Fireball era una canción un tanto peculiar. En ella no encontraréis ningún sólo de guitarra, algo insólito en un tema heavy. A cambio, se daba mucho juego al bajo y al órgano, instrumento éste último consustancial al sonido de los Deep Purple, un vestigio de sus inicios sinfónicos. También usaba un doble bombo de batería: para su grabación, tomaron prestado uno de lujo, procedente nada menos que de los Who, que estaban grabando justo al lado su imprescindible álbum Who's Next. Finalmente, añadieron en el tramo final de la canción ¡una pandereta! ¿Cuántas veces las habéis escuchado acompañando en una canción heavy metal?

Además, si escucháis la versión de estudio en el aplicativo de Goear, encontraréis que se inicia con un sonido un tanto peculiar, como de una lavadora industrial, o algo parecido. El grupo, cuando le preguntaron, llegó a decir al respecto que procedía de un sintetizador especial, lo cual podía colar en la explosión tecnológica musical del momento. Pero faroleaban. La realidad era mucho más prosaica: era simplemente el encendido del aire acondicionado del estudio de grabación (atención al increíble estruendo que hacían aquellos cacharros hacia 1971).

En cualquier caso, les quedó una fantástica canción que contribuyó enormemente a cimentar la creciente fama de los británicos. Y que, aún hoy, dejadme decirlo, suena de cojones.

Letra de la Píldora.

Hasta la próxima.

Long Train Runnin', The Doobie Brothers, 1973

2011-12-16T23:56:00.000+01:00

Los Doobie Brothers son una de las formaciones más celebradas del rock comercial norteamericano de los años setenta, dentro de una calidad fuera de toda duda. Y sus ventas fueron millonarias: todos sus álbumes entre 1973 y 1980 lograron entrar en el Top 10 norteamericano, incluyendo un número uno entre ellos.

Para el público español -y europeo-, seguramente la canción más recordada de su discografía fue este Long Train Runnin', el tren de largo recorrido con el que la banda consolidó su fama internacional tras el éxito previo de Listen To The Music.

También es verdad que su éxito no se debió tan sólo a las ventas de aquel año 73. Dos décadas después obtuvo una serie de versiones y remezclas -una de ellas de los propios Doobie Brothers- que retornaron a la canción a las listas y las emisoras de radio. Entre dichas versiones, en España hizo fortuna la que grabó La Unión... la cual, entre nosotros, no fue de lo mejor que hicieron los madrileños.

Si os fijáis en el clip, veréis algo peculiar en la estructura del grupo. Y es que una de las curiosidades de aquella heterogénea banda era la presencia de dos baterías simultáneamente. No fue la mayor excentricidad: entre sus cambiantes formaciones, llegarían a coincidir momentáneamente hasta ¡cuatro! baterías, algo totalmente inaudito en la historia del rock.

Pero ¿quién dijo que un tren como aquel no debía meter ruido?

Letra de la Píldora.

Hasta la próxima.

Teddy Picker, Arctic Monkeys, 2007

2011-12-15T23:58:00.000+01:00

Rapidísimo, que mirad qué hora es y pronto tocarán a retreta... de todas maneras, os dejo hoy con uno de los grupos de más éxito del reciente rock alternativo. Sólo os diré que tienen el récord del grupo con el disco de debut más rápidamente vendido de la historia del Reino Unido. En una semana colocaron nada menos que casi 364.000 copias.

El single de hoy, Teddy Picker, -que son los cacharros esos que sirven para timar al personal mediante ganchos que en teoría agarran juguetes varios dentro de una caja- supuso una sátira hacia los métodos arbitrarios actuales de fabricar famosos sin ninguna clase de criterio.Vamos, Gran Hermanos y cosas de esas.

Como apunte final, se notaba que aquí ya tiraban de presupuesto: el clip se lo dirigió nada menos que el hijo de Francis Ford Coppola, Roman, el hemano de la Sophie. Y es que el rock alternativo, a partir de cierto punto, no sólo es guay. También sirve para ganarse la vida. Que se lo digan a éstos, si no.

Letra de la Píldora.

Hasta la próxima.

Impressioni di settembre, Premiata Forneria Marconi, 1971

2011-12-14T22:36:00.001+01:00

Muchos de los posts de rock progresivo que subo vienen con una recomendación o un recordatorio vuestro. Y no porque no sea un estilo que no me guste en términos generales, si no porque siempre me sale alguna otra cosa que se me adelanta en la lista.

No es el caso de hoy, que lo tenía de motu proprio en mente desde hace tiempo y, finalmente, ha tenido su Píldora. Cuando se piensa en música italiana -y viendo este blog, casi diríase que es totalmente así- vienen a la cabeza cantantes melódicos, eventuales rockeros... sin embargo, como todo el resto de Europa, también en la bota eclosionaron los grupos de rock progresivo y sinfónico a principios de los setenta.

De todos ellos, el que tuvo mayor éxito de todos, y el que ha acabado más en la memoria de los fans de aquel movimiento, fueron los Premiata Forneria Marconi, PFM para los más allegados. Sus influencias partían claramente de bandas como King Crimson, y cuando uno escucha a los aparentemente muy distintos Triana, no puede evitar encontrar similitudes evidentes en todo lo que no era directamente procedente del flamenco. En otras palabras, los PFM se convirtieron en un grupo arquetípico del sinfonismo eléctrico europeo del momento.

Su primer single, lanzado a finales de 1971, fue este gran Impressioni di setembre, una canción de gran belleza en la que el virtuosismo instrumental se ponía al servicio de la melodía, y no al revés, como a veces solía pasar con algunos temas progresivos. Supuso el pistoletazo de salida a una carrera que apenas dos años después incluso había conseguido tener éxito en los Estados Unidos.

Un último apunte antes de terminar: ¿sabéis de dónde viene su curioso nombre? Por lo visto, uno de sus miembros venía de un grupo llamado Forneria Marconi, nombre que a su vez venía de una famosa panadería de la localidad italiana de Chiari, cerca de Brescia. La discográfica sugirió añadirle el "Premiata" delante para quedar más cool en los ambientes progresivos... y la cosa funcionó de coña. Aunque aún tuvieron que hacer un cambio más en aras del mercado norteamericano. "Premiata Forneria Marconi" era impronunciable en inglés, así que lo acabarían dejando en "PFM".

Y es que hasta el muy elevado rock progresivo tenía su lado superventas, especialmente en aquellos peculiares setentas. Menos mal que la música la siguieron haciendo de coña.

Letra de la Píldora.

Hasta la próxima.

Dreaming Of You, The Coral, 2002

2011-12-13T22:25:00.002+01:00

Para los no muy metidos en veredas indies, The Coral pueden sonar un tanto a chino. Sin embargo, estos muchachos, que empezaron apenas siendo unos mocosos (igual que el nene ese del flequillo rubio, pero aquí sin una multinacional detrás que ponga a las chavalas a tono) demostraron una carrera que los han colocado como una de las grandes bandas británicas de la década de los 2000, dignificando en la medida de lo posible la catástrofe musical generalizada en los principales canales musicales.

En realidad, puede decirse que son todo unos veteranos antes de cumplir la treintena. En su haber, en funcionamiento desde 1996 -cuando prácticamente iban aún a la escuela- llevan ya seis álbumes (uno en el número uno) y diecisiete singles, de los que tres entraron en el Top 10. Aunque no se trata de una historia relámpago, desde luego.

El sencillo de hoy fue el tercero de su carrera, como apoyo a su álbum de debut homónimo, editado ya en 2002. Dreaming Of You, un rápido y efectivo tema pop de aires retro, se convirtió en un éxito dentro de los circuitos alernativos... y en los no tanto, al escalar hasta el puesto 13 aquel mismo año.

Fue tal la importancia de aquel lanzamiento, que en seguida las grandes bandas del momento los llamaron para acompañarlos en sus giras: así lo hicieron Blur, Oasis y Supergrass, estos últimos otros que también empezaron en su día apenas con el primer acné. En otras palabras, en seguida contactaron con el grueso del Alto Estado Mayor del antiguo britpop.

Así que si os preguntan, ya sabéis quiénes son los tipos de hoy. Y si ya lo sabíais, pues nada, a recordar un rato. Que aquí hay madera para todo el mundo.

Letra de la Píldora.

Hasta la próxima.

(Don't Fear) The Reaper, Blue Öyster Cult, 1976

2011-12-12T22:39:00.000+01:00

Tal y como avancé ayer, hoy iba a cumplir con mi respuesta a medias a la sugerencia de ese compadre que firmó como "No te digo trigo por no llamarte Rodrigo". Digo a medias porque si bien respondo ciertamente con los Blue Öyster Cult -otra gran ausencia por aquí- no lo hago con el tema sugerido, Burnin' For You.

Efectivamente, Burnin' For You fue uno de los mayores éxitos de la formación de hard rock norteamericana... aunque no puede acercársele en fama al tremendo hit que consiguieron en 1976 con este (Don't Fear) The Reaper.

Su temática iba bien clara desde el mismo título: no temer a la muerte, algo que acaba sucediendo inevitablemente. A pesar del aparente mal rollito que podía suponer, la canción escaló hasta el puesto 14 en Estados Unidos, y hasta el 16 en Gran Bretaña, aquí dos años después.

Tras este éxito, la formación tendría algunos singles con ventas muy notables, pero ninguno conseguiría quedarse en la memoria como el de hoy. Aunque un poco de esta perdurabilidad tuvo que ver con un famoso sketch del programa Saturday Night Live protagonizado por Christopher Walken, Will Ferrell... y un cencerro. La música que sonaba era, precisamente, (Don't Fear) The Reaper.

Por cierto, que en la versión española del sketch, se usó como parodia a otro grupo mítico... nacional, Barón Rojo, y la estrella invitada era Antonio Resines. Os lo dejo aquí, para que no digáis que todo es seriedad...

Letra de la Píldora.

Hasta la próxima.

The Mummer's Dance, Loreena McKennitt, 1997

2011-12-11T22:34:00.000+01:00

Aprovechando una sugerencia en un comentario reciente, firmado por "no te digo trigo por no llamarte rodrigo" (¡ahí está, macho, ja, ja, ja!) originalmente iba a poner un tema de los Blue Öyster Cult, que no habían salido hasta ahora en el blog. Aunque no iba a ser el sugerido, si no otro un pelín más conocido... con lo que los más avisados ya podéis intuir cual iba a ser en principio la Píldora de hoy.

Sin embargo, resulta que asimismo, Montse me ha pedido que pusiera algo celta, de unos escoceses llamados Capercaillie. Tras árdua búsqueda de la canción en cuestión, que ni yo conocía, ni ella recordaba el título, hemos decidido posponerla hasta su efectiva identificación. Aunque a cambio, se me "sugirió" que siguiera en la línea céltica.

Y eso, en mi casa, supone colgar este The Mummer's Dance de Loreena McKennit, que como todos los que habéis estado cenando alguna vez, forma parte de la banda sonora de acompañamiento de las mismas, sólo superado por los diversos temas de Moby, en general.

Una canción que, sorpresivamente, a pesar de su estilo étnico y poco dado, por lo tanto, a las listas de éxitos, supuso un bombazo inesperado en 1997, entrando en los principales lugares de las diversas listas del Billboard norteamericano. Hasta hoy, ha sido el mayor hit de la canadiense.

Así que nada, chaval, pospongo provisionalmente a los Blue Öyster Cult. Ya sabes, lo del tiro, las carretas, y todo eso.

Letra de la Píldora.

Hasta la próxima.

Perfect Day, Lou Reed, 1972

2011-12-10T22:25:00.001+01:00

Si hay una canción de Lou Reed capaz de competir en fama con su paseo por el lado salvaje es, a todas luces, Perfect Day. Con un añadido: si Walk On The Walk Side era un tema casi pegadizo, con sus recordadísimos coros acompañando a toda aquella fauna nocturna neoyorquina, la pieza de hoy es una balada intimista con una sensibilidad excepcional.

En realidad, ambas canciones van totalmente ligadas entre sí, y son dos caras de una misma moneda... y de un mismo single, editado con gran éxito a finales de 1972, como apoyo al hoy mítico álbum Transformer, producido por David Bowie.

Hay que decir que, en aquel momento inicial, Perfect Day pasó un poco más desapercibida que su compañera, al quedar relegada a la cara B (entre nosotros, menudo sencillo). Sin embargo, con el tiempo recuperaría todo su valor. El primer aviso lo dio una versión grabada en 1995 por Duran Duran -ya os he dicho varias veces que la carrera de estos tipos engaña si uno se queda sólo con las portadas ochenteras del Super Pop-, y que subió hasta el puesto 28 en Gran Bretaña.

Pero el gran salto lo dio un año después al incluirse el tema en la banda sonora de Trainspotting, integrada en la célebre escena en la que el protagonista se quedaba out tras un chute de heroína. De hecho, la elección de Perfect Day para esta escena vino dada por la opinión generalizada entre muchos seguidores de Reed de que la canción estaba dedicada a esta droga, consumida habitualmente por el compositor.

Finalmente, el remate lo dio la BBC otro año más tarde, en 1997, al seleccionarlo como tema promocional para una campaña benéfica en la que participaron, además de Lou Reed gentes como Bono, David Bowie, Elton John o Emmylou Harris.

Por fin, tras 25 años, la Píldora de hoy había conseguido su día perfecto.

Letra de la Píldora.

Hasta la próxima.

Feel, Robbie Williams, 2002

2011-12-09T22:39:00.000+01:00

Hace tiempo reconocí que Robbie Williams, a pesar de su pasado en Take That -grupo prototipo para quinceañeras- se había revelado como un intérprete bastante bueno en su carrera en solitario. Aunque su estilo nunca fue alternativo, ni mucho menos, supo imprimirle una calidad bastante decente a sus temas.

Bajo este prisma, no es sorprendente que atesorara una cantidad espectacular de hits entre finales de los noventa y la mayor parte de la década siguiente. Uno de ellos, y de los más importantes, fue este Feel, de 2002.

Lanzado como primer single de promoción de su álbum Escapology, sonó hasta la saciedad a lo largo y ancho del mundo. Esta balada rápida de aires retro y vagamente soul -su ritmo de piano es francamente pegadizo- alcanzó el número uno en numerosos países, y se quedó a las puertas en casi todos los demás. Como apunte de su éxito, en Canadá "sólo" obtuvo un décimo puesto... pero a cambio, permaneció nada menos que 54 semanas en listas, más de un año. Eso sí: inexplicablemente, el mercado estadounidense fue bastante impermeable a la canción, que se quedó fuera del Billboard. Misterios del pop dignos de Iker Jiménez.

Parece ser que la voz que recoge el single fue la de la primera demo que se grabó. Lo habitual en estos casos es que se hagan varias tomas, cada una mejorando o profundizando más que la anterior, en teoría. Por lo visto, el propio Williams se quedó sorprendido de lo bien que le quedó su primera interpretación, que no superaron las siguientes. Y fue la que se quedó.

Hay que decir que, desde luego, la intuición no le falló.

Letra de la Píldora.

Hasta la próxima.

Never Enough, The Cure, 1990

2011-12-08T22:49:00.000+01:00

Sé perfectamente que el de hoy no es uno de los temas más emblemáticos de la carrera de The Cure. No obstante, disfrutó de un gran éxito a finales de 1990, con nada menos que tres semanas al frente de las listas alternativas norteamericanas.

Un éxito que llegó hasta mi radiocassette: por aquellas fechas, Never Enough no podía faltar en ninguna de mis diversas cintas recopilatorias montadas a mano a golpe de doble pletina. Su gran potencia de fuego y aires siniestros, que recogía perfectamente el vídeo promocional, era ideal para vacilar con los colegas a la hora de meter ruido por los pobres altavoces que caían en nuestras manos.

Los propios The Cure grabaron una nueva versión en 2001, esta vez en acústico. Cuando me lo comentó un amigo, lo primero que pensé es que debía de ser un tostón infumable ideal para cargarse una joya eléctrica como aquella. Hasta que lo escuché... y resultó magnífica y nada pusilánime, desde luego. De hecho, junto a la original, os la adjunto también por Goear.

Llegados a este punto, os dejo hasta la próxima, que ya ha empezado el Cuéntame. Y eso va a misa, como ya sabéis.

(versión original eléctrica)

(versión acústica de 2001)

Letra de la Píldora.

Hasta la próxima.

In The Crossfire, Starsailor, 2005

2011-12-07T22:25:00.002+01:00

Incluso algo tan horrible como el trío de las Azores, que si os acordáis eran aquellos dos gángsters invadepaíses que hablaban en inglés, junto a aquel señor con bigote amigo del vino que hablaba en tex-mex -¿cómo se llamaba? Sí, hombre, si lo tengo en la punta de la lengua...- pueden inspirar canciones tan conmovedoras como la de hoy.

En 2005, Starsailor estaba en lo más alto de su popularidad. Tras varios singles de éxito, uno de los cuales era el ya pildorero Four To The Floor, se habían consolidado como uno de los nombres más importantes del pop británico de la nueva década.

Aquel mismo año lanzaron el álbum On The Outside, en el que como tantos otros grupos que habían cimentado su fama en un estilo más o menos ligero, quisieron dar un paso hacia una mayor seriedad y potencia. Y su single estrella para este fin fue, precisamente, In The Crossfire.

Si la Guerra del Vietnam está llena de canciones alusivas y muy críticas con la misma, la de Irak de 2003 no tuvo tanta repercusión al respecto, en un negocio discográfico completamente secuestrado por las grandes cadenas políticamente correctas. Una de las excepciones fue el tema de hoy, cuya letra denunciaba la invasión y se metía en la piel de los que recibían los bombardeos aliados, todo ello envuelto en una melodía totalmente emocionante.

Rock político de muy bella factura que estoy seguro de que no os dejará indiferentes. Que lo disfrutéis.

Letra de la Píldora.

Hasta la próxima.

Shot By Both Sides, Magazine, 1978

2011-12-06T22:12:00.000+01:00

Los Buzzcocks, como vimos en su día, fueron uno de los grupos más importantes del punk inglés por la adaptación que hicieron de este estilo a una forma un tanto más asequible para el gran público. Pues bien, Magazine se creó cuando uno de sus miembros, el cantante Howard Devoto, abandonó a sus compañeros para crear su propia formación.

Por lo tanto, no es de extrañar que, aunque apenas duraron cuatro años como banda, Magazine haya quedado asimismo como una de las grandes formaciones de la primera generación post-punk. De su corta discografía, el tema que más ha quedado en la memoria (y en las listas) es, desde luego, este potente -y de sonido un punto dramático- Shot By Both Sides.

Lanzado como single en enero de 1978, se quedó a las puertas del Top 40. Esto puede parecer bastante modesto, pero sirvió para que su primer álbum, Real Life, tuviera una muy buena acogida.

Como apunte de despedida por hoy, os recomiendo más que otras veces que escuchéis el aplicativo de Goear además de ver el clip, ya que por algún extraño motivo, cortaron la actuación justo en mitad de su magnífico solo de guitarra. Al igual el realizador del programa debía ser más bien fan de los Bee Gees o de Leif Garrett y esto le venía grande...

Letra de la Píldora.

Hasta la próxima.

All Star, Smash Mouth, 1999

2011-12-05T23:19:00.000+01:00

En este momento estoy viendo (por enésima vez) la estupenda Shrek, así que no es de extrañar la elección de hoy, aunque sólo sea por mero ahorro neuronal de lunes.

En cualquier caso, el tema de hoy, a medio camino entre el rock alternativo y el pop más tontorrón, suponía un magnífico broche a la película de animación con las aventuras del ogro verde... y su impagable burro parlanchín. Sin embargo, su historial cinematográfico era bastante más extenso, si bien siempre dentro de la comedia, como es de suponer.

En realidad, su primera aparición en la gran pantalla fue en el mismo 1999, para la película Hombres misteriosos. Por lo que no es de extrañar la lista de cameos del clip: Ben Stiller, William H. Macy o Hank Azaria, Sin embargo, se echa de menos al bueno de Geoffrey Rush...

El single se convirtió en un gran éxito, y escaló hasta el Top 5 tanto en las listas alternativas como en las generales. Así que no era extraña su aparición en Shrek, dos años después. Y, ya puestos, en bastantes más pelis a lo largo de la década, aprovechando su tirón.

Os dejo, que tengo que seguir viendo (otra vez) la tele...

Letra de la Píldora.

Hasta la próxima.

This Love, Maroon 5, 2004

2011-12-04T22:25:00.002+01:00

Nunca he sido un gran fan de la música de Maroon 5, ni antes, ni ahora. Francamente, este último single que acaban de tener en el número uno por medio mundo, Moves Like Jagger, a pesar de su título, lo encuentro de lo más convencional, incluso para las pistas de baile. Vaya esto por delante.

Sin embargo, tengo que decir que cuando grabaron This Love, dieron en el clavo con un tema no sólo de fácil acceso comercial, si no además con todos los ingredientes para una perfecta canción pop. Al menos, es lo que me pareció al escucharlo por la radio en una lluviosa mañana de abril de 2004, desayunando justo antes de empezar una pesada mañana de cierre de número en la editorial donde por entonces trabajaba como jefe de redacción.

Efectivamente, en la primavera de 2004 This Love estaba en la cresta de la ola, con ventas millonarias por todas partes y acumulando discos de platino como si nada. Y sin embargo, se trataba de un tema editado en el álbum Songs About Jane desde nada más y nada menos que año y medio atrás.

Y es que la progresión de este LP en las listas de éxitos es de las más lentas que se recuerdan: lanzado en junio de 2002, su primer single, Harder to Breathe (tampoco nada malo) se editó un mes después, mientras que el segundo lo hizo... en enero de 2004, precisamente This Love. Eso sí, una vez este último vio la luz, la cosa fue a la velocidad de la luz. Su siguiente sencillo, She Will Be Loved, obtuvo el mismo éxito, y consolidó a los norteamericanos como banda de éxito comercial absoluto, esta vez sí.

Aunque, en lo que a mí respecta, no volvieron a hacer nada tan bueno como This Love. No me miréis así... es una opinión, por supuesto.

Letra de la Píldora.

Hasta la próxima.

Like A Rolling Stone, Bob Dylan, 1965

2011-12-03T22:25:00.003+01:00

Ya hemos referido en otra ocasión que lo que los Beatles han sido al cuerpo del rock, Dylan lo ha sido al espíritu. Y de su fascinación mútua y conjunta surgió la gigantesca revolución musical de finales de los sesenta, sin la cual nada de lo actual sería comprensible en buena medida.

Uno de los puntos de inflexión de la influencia de Dylan, más allá de su conversión al credo eléctrico a finales de 1964, fue el lanzamiento de Like A Rolling Stone. Su célebre "How does it feels?" ha quedado marcado a fuego como uno de los versos más emblemáticos del siglo XX.

Pero ¿a qué se debió tamaño impacto? Fue un poco de todo. Muy poco antes, los Byrds habían empezado a vender como rosquillas sus versiones de Dylan en su característico estilo melódico y ensoñador, hasta meterlo en el número uno. Así que la llama estaba encendida, si bien el giro eléctrico del cantautor llevaba un camino mucho más pesado y ruidoso. Era algo mucho más propio para canciones como la de hoy, un amargo canto lleno de matices a la realidad del que tuvo y dejó de tener, y que colocó fuera de juego a todo aquel que la escuchó.

Entre éstos últimos se encontraba un John Lennon que quedaría para siempre marcado, y que llamó a su compañero Paul McCartney para que lo escuchara. Ambos acabaron impresionados. Tal vez aquel fue el inicio de lo que vino después. Porque todo había cambiado cuando aquel tal Dylan se había colocado nada menos que en el puesto número dos de las listas, pisando los talones a la depre de Lennon cantada al ritmo alegre de Help!.

Era finales del verano de 1965.

PS: Efectivamente, los que acompañan a Dylan en el vídeo son The Band. No grabaron el tema en estudio, pero por entonces arropaban al cantautor en todas sus eléctricas actuaciones. Bien visto, compañía.

Letra de la Píldora.

Hasta la próxima.

Sweet Home Alabama, Lynyrd Skynyrd, 1974

2011-12-02T22:25:00.001+01:00

A principios de año, entraban por primera vez en las Píldoras los sureños -a la manera de Georgia o de... Alabama pero con el carnet de Florida- Lynyrd Skynyrd, una de las formaciones más influyentes del rock norteamericano de los años setenta. Y lo hacían con la que considero que es la mejor canción de cuantas grabaron, la sobrecogedora Free Bird. Sin embargo, a pesar de que también fue un single de éxito, no quedaría tan grabado en la memoria como el tema de hoy.

Y es que en cuanto suena su lento "one, two, three" del principio, seguido de sus primeros acordes de guitarra, todo el mundo sabe lo que le va a venir después: el paradigma del rock simple y directo de ecos del profundo Sur. Como bien apuntaba en un comentario hace tiempo mi amigo Juanjo, Sweet Home Alabama no es un tema musicalmente tan redondo como Free Bird, pero está lleno de connotaciones que lo convierten en una de las canciones más debatidas de la historia del rock.

Para empezar, a pesar de toda la simbología de la bandera confederada, muy común aún en los estados rebeldes de la Guerra de Secesión, Lynyrd Skynyrd no eran en absoluto una banda de rednecks, como se conocía a los cerriles granjeros del Sur. De ser así, hubiera sido muy difícil su éxito a lo largo y ancho del país. Sin embargo, algunas críticas indiscriminadas procedentes del Norte les ofendían. Y hay que entenderlo: por ejemplo, salvando todas las distancias posibles, a un servidor -poco partidario de las opiniones independentistas- le ofenden sobremanera ciertos insultos indiscriminados vertidos por imbéciles integrales hacia Cataluña. Es lo que tiene tener un pie a cada lado de las cosas, imagino.

Uno de aquellos comentarios antisureños vino dado desde bastante al norte, desde Canadá. Y su origen era muy ilustre: Neil Young (de muy próxima aparición, esta vez sí). En dos canciones que grabó, se criticaba el carácter racista existente aún en la antigua Confederación, así que arremetió sin contemplaciones. Como respuesta, Ronnie Van Zant y sus compañeros lanzaron el tema que tenéis delante.

Por si acaso, como para dejar también claro que su defensa del Sur no era irracional ni pro racista, ellos mismos cargaron en la letra contra el gobernador de Alabama George Wallace, un partidario de la segregación (el tipo consideraba a Martin Luther King un pro comunista y opinaba que las únicas four letters words -palabras inglesas de cuatro letras asociadas normalmente al sexo o a ciertas funciones corporales, como fuck o shit- que los hippies no conocían eran "trabajo" y "jabón"). De todas maneras, esta crítica formulada por la formación en un principio no fue entendida así, y hubo un cierto revuelo al respecto.

Ya véis, una canción que dio en su día bastante juego. Y, de paso, también pingües beneficios: fue número ocho en el Billboard y recibió numerosas versiones, una de las cuales fue la bien conocida de Siniestro Total Miña Terra Galega... "donde el cielo es siempre gris"... pero eso será para otro día, tal vez. De momento, os dejo en los cielos siempre azules de Alabama.

Letra de la Píldora.

Hasta la próxima.

It's Written In The Stars, Paul Weller, 2002

2011-12-01T22:14:00.000+01:00

Música de aires mods y psicodélicos... en pleno siglo XXI. Una cosa así tan sólo la podría haber hecho el mismo responsable de grupazos como The Jam o The Style Council: Paul Weller.

Por estas páginas ya han pasado sobradas muestras de su talento a través de las mencionadas formaciones, pero todavía no había aparecido nada de su posterior y extensa carrera en solitario, jalonada de numerosos singles de éxito y varios álbumes colocados en el número uno.

Uno de ellos fue Illumination, lanzado en septiembre de 2002, y que apenas en dos semanas coronó las listas. Como curiosidad, lo echó del puesto nada menos que el vendidísimo recopilatorio de Elvis Presley ELV1S 30#1 Hits, ahí es nada. De todas maneras, para entonces, el mismo Weller ya era una leyenda en activo, así que para el LP se pudo permitir varios lujos, uno de los cuales fue contar con el líder de Oasis, Noel Gallagher... ¡en la batería y el bajo!

Sin embargo, no os esforcéis en buscar al co-hermanísimo en el clip, el cual, de todas maneras no lo necesitaba con el pedazo de canción que recogía. It's Written In The Stars es una perfecta compilación del sonido de Paul Weller, con sus notas psicodélicas sesenteras (los pases instrumentales son de lo mejor... si os gusta el rollo, naturalmente), sus toques guitarreros Jam y su elegancia Style Council.

En definitiva, una Píldora para los muy fans del que considero musicalmente, creo que con toda justicia, el último mod. Tal vez debe de estar escrito en las estrellas.

Letra de la Píldora.

Hasta la próxima.

The Safety Dance, Men Without Hats, 1982

2011-11-30T22:25:00.000+01:00

La new wave, pariente cercana del nihilista punk, también tuvo sus recovecos coñones, aunque pueda sonar extraño entre tanto no-futuro y mirada perdida en el infinito. Uno de estos recovecos vino de Canadá, y adoptó la forma de un grupo de extraño nombre, Men Without Hats, "hombres sin sombreros".

Un grupo que pasó a la historia del pop por un único tema que, eso sí, se convirtió en todo un éxito en 1982 a lo ancho y largo del mundo: The Safety Dance, una queja sobre... aquellos que en las discotecas del momento no dejaban a los más modernos bailar como tocaba, a la manera punk, saltando arriba y abajo. Claro, no era tan estiloso como los pasos travoltianos, pero es que también era cierto que en el 82 éstos estaban más acabados que el twist. Así que propusieron, totalmente en coña, este "baile de seguridad".

Un baile que en el clip, por algún extraño motivo, no aparecía por ninguna parte. De hecho, por no haber, no había ni travoltas, ni punks, ni news, ni nada de nada. Sólo un tipo dando saltos y paseando casi cual flautista de Hamelin por la Inglaterra medieval. ¿Por qué? Francamente, ni idea. Cosas de la creatividad, ha de entenderse. O eso, o el tipo tenía un gusto desmedido por la Edad Media.

Como fuera, aquí os quedáis con este enorme éxito de principios de los ochenta. Yo, por mi parte, me voy a ver zombies, que ya empiezan por la tele...

Letra de la Píldora.

Hasta la próxima.