domingo, 31 de julio de 2011

Walk This Way, Run-DMC feat. Aerosmith, 1986


Como muchos sabéis, hoy nos encontramos ante la primera gran fusión entre el rock (duro, para más señas) y el hip hop. Y una de las mejores jamás hechas. Sin esto, grupos como Faith No More o Rage Against The Machine no hubieran sido lo mismo. 

Como suele pasar con estas cosas, su génesis fue bastante peculiar. En realidad, Walk This Way era un viejo tema grabado por los Aerosmith nada menos que en 1975. Por entonces, el single no había tenido demasiada repercusión, aunque un relanzamiento efectuado un año después lo convirtió finalmente en un éxito bastante notable. 

Una tarde más tarde, en 1986, el entonces jovencísimo productor Rick Rubin -un tipo cuyo aspecto lo hubiera hecho muy apto para militar en los ZZ Top- enseñó a la formación de hip hop Run-DMC una copia del álbum Toys In The Attic, en el que se encontraba la versión original de la canción. El fin era que hicieran su propia adaptación. A decir verdad, a varios miembros de los Run-DMC ni tan siquiera les sonaba quienes eran los Aerosmith, aunque finalmente la idea prosperó. 

Y lo hizo a lo grande. En la nueva versión incluso se contó con la presencia de los mismos Aerosmith, que por entonces ya eran unas celebridades absolutas dentro y fuera del mundillo del rock duro a pesar de la desinformación de parte del grupo rapero. Eso sí, había un cierto componente de márketing en la autoría del sencillo. Éste estaba firmado por los Run-DMC "con Aerosmith"... aunque lo correcto hubiera sido decir que contaban con la colaboración de tan sólo Steve Tyler y Joe Perry, los únicos miembros de la formación rockera que participaron en la versión. 

Así que en el clip -muy bueno, no os lo perdáis- aunque veáis a varios tipos con melenas y guitarras, tan sólo identificaréis al papá de Liv Tyler y a Joe Perry como miembros de los Aerosmith. Pero, con un resultado como ése, ¿a quién le importan los detalles?

Walk This Way (por Goear)



Letra de la Píldora.

Hasta la próxima.

sábado, 30 de julio de 2011

Immigrant Song, Led Zeppelin, 1970


Como a veces pasa, las cosas no son siempre lo que parecen. Por ejemplo, aunque estéis leyendo esto a partir del sábado por la noche, ando escribiendo hoy viernes ya que, por motivos obvios, mañana la cosa sería bastante complicada. Para empezar, porque durante la mayor parte del día estaré de regata de remo en Vilanova i la Geltrú. 

Y como tengo la noche guasona, pues aquí os dejo con este clásico de Led Zeppelin. ¿Que qué tiene que ver con el remo y todo eso? Immigrant Song, a pesar de su título tan actual en muchos aspectos, en realidad estaba dedicada a los navegantes vikingos que se desplazaron desde Escandinavia hacia las tierras del Oeste. 

Lo cual hacían en sus famosos drakkars, embarcaciones que, a pesar de tener una rudimentaria vela, iban fundamentalmente a remo. Vamos, que los tíos se recorrieron el Mar del Norte bogando como unos bestias.  Así que supongo que a nadie podía extrañar que donde bajaran la liaran parda con tal de justificar la inversión...

La verdad es que nosotros haremos bastantes menos metros -pero a mayor velocidad, ojo- y tampoco tenemos como objetivo acabar en el Valhalla. Pero para dejar una Píldora remera tampoco está demasiado mal el tema, ¿no? Porque, entre nosotros, con alguna que otra excepción (Out On The Tiles también era un temazo) Immigrant Song era de lo mejorcito de aquel Led Zeppelin III de tan lúdica y giratoria portada...


Immigrant Song (por Goear)


Led Zeppelin - Immigrant Song (1972) por alexandru2006

Letra de la Píldora.

Hasta la próxima.

viernes, 29 de julio de 2011

Dear Prudence, Siouxsie and The Banshees, 1983


Versionar a los Beatles es algo que casi cualquier grupo, por excéntrico que pueda ser, ha hecho alguna vez, aunque sea sólo ensayando. De hecho, imagino que no habrá ni una sola canción del repertorio de Lennon, McCartney, Harrison y Starr que no haya pasado por los instrumentos de cualquier hijo de vecino. 

La movida new wave no fue ajena a este fenómeno, por más que muchos de sus primos hermanos punks se vanagloriaran de renegar de Elvis, Beatles y compañía... aunque fuera de boquilla. Si había un grupo que se encontraba en el origen de todas aquellas crestas y claveteados, eran Siouxsie and The Banshees. Para que os hagáis un ejemplo (que creo que ya comenté en otra parte), su primer batería fue nada más y nada menos que Sid Vicious, poco antes de ocupar su puesto como autodestructivo y poco modélico pero tremendamente carismático bajista de los Sex Pistols.

Pues bien, la formación de Siouxsie Sioux, entrados los años ochenta, decidió salir del armario beatle y grabó como single este Dear Prudence, uno de los temas más célebres del Doble Blanco de 1968, aquel que sonaba tras el trallazo de Back In The USSR. Estaba dedicado a Prudence Farrow -hermana de Mia Farrow- quién también acompañó a los Beatles en su famosa peregrinación a la India hacia las lucrativas garras del Maharishi Mahesh Yogi.

Versionar a los de Liverpool siempre tiene ese plus añadido de las terribles comparaciones, pero el trabajo que hicieron los Banshees fue francamente bueno: consiguieron mantener la atmósfera de la versión original a la par que la pasaron por el entonces sonido incipiente del pop alternativo británico. El experimento fue todo un éxito: su número 3 en el Reino Unido fue el mejor resultado de la formación de cuantos obtuvo en su país de origen. 

Si es que en el fondo, por muy punk, gótico o new que se sea, al final todos vamos a parar a lo mismo.

Dear Prudence (por Spotify)




Letra de la Píldora.

Hasta la proxima.

jueves, 28 de julio de 2011

I'm Henry VIII, I Am, Herman Hermits, 1965


Como os dije hace unos días, traería algo inspirado en la serie que me gusta ver los jueves por la noche (y que en nada imagino que empezará): Los Tudor. La verdad es que su protagonista, Jonathan Rhys-Meyers,  se asemeja físicamente bien poco a aquel bestiajo pelirrojo casi más ancho que alto que era Enrique VIII.

Sin embargo, su interpretación sí que recoge magníficamente el aire despótico y taimado, además de excesivo, que marcaba el carácter del monarca inglés. En cierto modo, con todas las distancias posibles propias de la época y de la diferencia entre personajes, recuerda a la magnífica interpretación que en su día hizo Joaquin Phoenix del emperador romano Comodo en Gladiator. Asimismo, la serie recoge de forma bastante inteligible las complicadas maniobras políticas del Renacimiento europeo.

En fin, que en cuanto acabe de escribir, ya sabéis lo que voy a hacer. Pero mientras, por si alguno o alguna de vosotros quiere ir echando un vistazo a las Píldoras, os dejo con este curioso tema de 1965 interpretado por uno de los grupos británicos de más éxito del momento, los Herman Hermits. 

Si alguien espera una canción llena de pompa y circunstancia, mejor que lo deje correr por el momento. Por el contrario, se trata de un tema que suena casi infantil o, a lo sumo, adolescente. No obstante, en realidad, los jovencísimos Herman Hermits sólo versionaron al estilo beatle lo que era una pieza procedente de un musical datado en nada menos que 1910, titulado I'm Henery the Eight, I Am (sí, "Henery", en acento cockney londinense).

La versión de 1965 fue un bombazo que se convirtió en el tema más rápidamente vendido de la historia hasta aquel momento. Posiblemente, sin los Beatles, los Herman Hermits -como otros muchos grupos- no hubieran tenido la fama que luego alcanzaron, pero entre 1964 y 1967 consiguieron una cantidad de hits nada envidiable, amen de actuar en lugares como el célebre Ed Sullivan Show, como podéis ver en el clip. 

Y un poco de mérito tenía la cosa, porque si su música al menos era divertida y hasta en algunos casos bastante decente, lo que era el swing no lo tenían muy de la mano. Vamos, que no eran unos James Browns de serie. He visto a chimpancés con más gracejo bailongo que el cantante, desde luego. Juzgadlo vosotros mismos.

I'm Henry VIII, I Am (por Spotify)

PS: la letra NO va del rey Enrique VIII, por cierto. De hecho, es una coña que cuenta casi lo contrario. Trata de un tal Henry que se acaba de casar con una viuda que a su vez ha estado casada antes siete veces con otros tantos hombres llamados Henry. Así que...



Letra de la Píldora.

Hasta la próxima.

miércoles, 27 de julio de 2011

Vienna, Ultravox, 1981


Vienna es otro de esos temas que trasciende a su década. Lanzado como single a principios de 1981, acabaría siendo la pieza más emblemática de la formación británica Ultravox.

Mientras colaboraban en la aventura casi futurista de Visage, el guitarrista Midge Ure y el violinista  y pianista Billy Currie se embarcaban en la recuperación de la formación en la que este último había militado a finales de los setenta, Ultravox. El resultado fue el cuarto álbum del grupo, editado en el verano de 1980

En un principio, nada hacía prever el éxito tan demoledor que conseguiría. Sus dos primeros singles tuvieron un éxito discreto y, de hecho, los tres álbumes anteriores de la banda ni tan siquiera habían entrado en listas. Todo cambió cuando llegó el tercer sencillo, de igual nombre que el álbum. Su estilo new wave cargado de influencias clásicas (románticas, de hecho) puso a Vienna en lo más alto de las listas...

... o casi. Durante cuatro semanas se quedó estacionada en el número 2. En un principio, el tema responsable de ello fue Woman, de John Lennon. Éste había sido asesinado pocas semanas antes, con el consabido efecto que provoca en las ventas musicales el fin de un mito. Pero no fue lo peor. Durante la mayor parte del tiempo en el que Vienna estuvo en segundo lugar, el número uno fue un olvidable tema casi de pachanga de fiesta mayor titulado Shaddap You Face, de un tal Joe Dolce. Para que veais que las frikadas musicales también se daban (y se dan) con intensidad en las muy respetadas listas de Su Majestad. 

A pesar de todo, el final de la historia fue feliz. Vienna acabó teniendo unas ventas mucho mayores que las otras dos canciones y, de hecho, terminaría siendo el quinto single más vendido del año. Y el más recordado a día de hoy, incluso a pesar de John Lennon. Que lo disfrutéis.

Vienna (por Spotify)

PS: para los más cinéfilos, el clip -inspirado en El tercer hombre- fue dirigido por Russell Mulcahy, todo un especialista en vídeos musicales de la época, cuyos trabajos para Duran Duran, Kim CarnesSpandau Ballet o Queen entre otros muchos seguro que habéis visto decenas de veces. Aunque no tantas como su peli más famosa. ¿Cuál? Aquella de unos tipos que se pegaban todo el rato metiéndose espadazos a diestro y siniestro, y que sólo se morían si se les cortaba la cabeza. Sí, hombre, la que tenía música precisamente de Queen... si la tengo en la punta de la lengua...




Letra de la Píldora.

Hasta la próxima.

martes, 26 de julio de 2011

If You Can't Give Me Love, Suzi Quatro, 1978

"Si no me puedes dar amor", era el título del sencillo español (que no en castellano) del primer tema con el que quien escribe se topó ante la figura de Suzi Quatro.  No me digáis cómo, pero me acuerdo de haber tenido en la mano este single con apenas cinco o seis años, e incluso de haberlo escuchado en casa de alguien, que no la mía. Así que hoy me he tomado la licencia de subir la portada de aquel mismo single, en lugar de la del país de emisión original, como es más costumbre. Llamadlo sentimentalismo.

Tampoco tenía mucho secreto la cosa, bien pensado. If You Can't Give Me Love fue uno de los temas más escuchados de finales de los años setenta, dentro y fuera de las pistas, y no sólo en el mundo anglosajón, desde luego. 

En 1978, Suzi Quatro venía de un periodo de cierto declive musical. Su estilo ruidosísimo, que había triunfado durante los años dorados del glam rock, había perdido impacto a la par que la purpurina y el maquillaje vario. De hecho, entre disco y disco, se tuvo que dedicar en buena medida a trabajar como bajista de estudio. 

La cosa cambió aquel mismo año tras lanzar If You Can't Give Me Love. Este tema, de inspiración vagamente country, mostró a una Suzi Quatro mucho menos chillona y más melódica. Y lo hacía en cierto modo de manera contracorriente: por entonces, la música punk, a la que ella había contribuido con sus estridencias glam, estaba en plena cotización. 

Hay que decir que el riesgo mereció totalmente la pena: la canción se alzó hasta el puesto cuatro en Gran Bretaña, y abrió el camino al éxito a sus dos singles siguientes, She's In Love With You y Stumblin' In, este último junto al líder del grupo Smokie, Chris Norman.

Y qué curioso: también recuerdo perfectamente a estos dos últimos temas, no por aprendizaje posterior, si no de mismísimo origen. A ver si realmente descubrí la música rock gracias a Suzi Quatro, y aún no me he enterado... hum, no. Estoy seguro que los Beatles fueron incluso antes.  Eso sí,  no por mucho.

If You Can't Give Me Love (por Goear)



Letra de la Píldora.

Hasta la próxima.

lunes, 25 de julio de 2011

World Of Pain, Cream, 1967


Seguimos en 1967, seguimos en plena psicodelia, y seguimos a golpe de monstruos musicales. Eso sí, esta vez con algo más de esperanza de edad que los de ayer y anteayer, aunque cabe pensar que dicho resultado no fue por no intentarlo sus protagonistas. Los hay con suerte: todos siguen milagrosamente aún vivos.

Los que conocéis bien a los Cream, el considerado primer supergrupo de la historia del rock, rápidamente habréis visto que la elección musical de hoy es cuanto menos atípica. Lo normal hubiera sido que el primer post del trío Clapton-Bruce-Baker se hubiera marcado algo como Sunshine Of Your Love, White Room (mi preferida) o Crossroads.

Sin embargo, World Of Pain es una pequeña obra maestra que sorprende la primera vez que uno se topa con ella. Normalmente, esto sucede cuando uno se pone a escuchar el espectacular álbum Disraeli Gears, el mismo que tenéis más arriba. Éste comienza con una de las piedras angulares de Cream, Strange Brew, para sucederle el celebérrimo riff de Sunshine Of Your Love. Y cuando uno cree que la cosa ya no puede ni mejorar, ni tan siquiera mantenerse, le sale el corte de World Of Pain, una magnífica balada psicodélica que tan sólo hubiera podido ser concebida en aquel revolucionario y extraño 1967

Hay otro motivo también para su elección. Ver el vídeo, con el grupo tocando mientras desfila una manifestación de jóvenes hippies, la verdad es que me dio qué pensar. No se trata de idealizar algo porque sí, pero ese ambiente de contestación pacífica es el mismo que luego se extinguió (un comentarista cachondo del clip dijo que aquellos niños de las imágenes luego acabaron probablemente como presidentes de corporaciones) y que tan sólo ahora parece recuperarse en nuestras calles. 

Esperemos que esta vez dure un poco más. Lo justo para que nuestro futuro no sea, precisamente, un mundo de dolor.

World Of Pain (por Goear)



Letra de la Píldora.

Hasta la próxima.

domingo, 24 de julio de 2011

Burning Of The Midnight Lamp, The Jimi Hendrix Experience, 1967


Aprovechando la inesperada (o no tanto) nueva incorporación al Club de los 27, he querido rescatar  de nuevo tras bastante tiempo a uno de sus primeros fundadores, James Marshall Hendrix, Jimi para todo el mundo. 

Y para ello, me he querido apoyar en uno de sus temas que, sin ser desconocido realmente, no ha pasado al acervo cultural tanto como otros. Lanzado como single en agosto de 1967, Burning Of The Midnight Lamp no llegó a entrar en las listas norteamericanas, aunque se coló en el Top 20 británico. Aún así, no fue incluido hasta más de un año después en un LP, el mítico Electric Ladyland

Personalmente, creo que Burning Of The Midnight Lamp es un tema excepcional, que recoge todos los mejores aspectos de la parte de su carrera que hizo junto a su grupo de entonces, The Jimi Hendrix Experience. Se trataba de un tema 100% psicodélico, donde a las filigranas propias de la guitarra de Hendrix, se añadía la poderosísima base rítmica conformada por el bajo de Noel Redding y la batería de Mitch Mitchell. Ah, y un hipnótico clavicordio eléctrico que acabaría siendo el principal distintivo del tema.

También merece una pequeña mención la cara B de aquel single alucinógeno por todos los lados. Tal vez diga muy poco el extraño título de The Stars That Play With Laughing Sam's Dice, pero aquí es necesario recurrir a la misma imaginación que hizo famosa a la beatleliana Lucy In The Sky With Diamonds. Y es que The Stars... rápidamente comenzó a ser conocida por sus siglas, STP with LSD. Vamos, la repera en medicinas para ver colores. 

Porque, además del talento, he aquí el otro adivinado nexo común a los miembros del Club de los 27. Que menos agua, se tomaba de todo la chavalería.

The Jimi Hendrix Experience – Burning Of The Midnight Lamp (por Spotify)




Letra de la Píldora.

Hasta la próxima.

sábado, 23 de julio de 2011

Back To Black, Amy Winehouse, 2007


Brian Jones, Jimi Hendrix, Janis Joplin, Jim Morrison, Kurt Cobain... y, desde hoy, Amy Winehouse. El Club de los 27 acaba de recibir a otra ilustre presencia. El mito ha nacido.

Back To Black (por Goear)

PS: ya sabéis que no me ando demasiado con los R.I.P. varios, pero desde luego, una cosa así no era cosa de dejarla pasar por alto. Y no os perdáis el clip. Casi diríase que profético, especialmente en su final. Curiosamente, me ha costado encontrar uno disponible, ya que andaban muy restringidos, y desconozco si ya era así antes, o tal vez sea algo a raíz de la noticia del deceso. Como sea, aquí va.

PS2: Eso sí, una cosa más. Que esto no nos haga olvidar la salvajada de ayer en Noruega. 



Letra de la Píldora.

Hasta la próxima.

viernes, 22 de julio de 2011

Clara, Joan Baptista Humet, 1980


Caray, qué horas... pero vengo de una reunión para planificar junto a mis compañeros el programa del cine club para el próximo año, y ya os imagináis que estas cosas se sabe cuándo y cómo empiezan, pero nunca su final. Que ha sido tarde, por bien que entretenido, divertido y agradable. 

Con todo, antes de dormir, aquí andamos. Y lo hago con un tema que salió esta mañana en una conversación en el despacho, repasando tanto los nombres más brillantes de los cantautores patrios... como los más frikis, que haberlos, los hubo. 

Por supuesto, el nombre de hoy surgió de la lista de los primeros, como no podía ser de otra forma. Joan Baptista Humet, catalán aunque nacido en Valencia, fue uno de los nombres que dignificaron a la canción catalana. Sus temas, por lo demás normalmente poco políticos, implicaban una sensibilidad especial sobre las historias que contaba. 

Como era la historia de Clara, una toxicómana que protagonizó la canción más célebre de toda su carrera. Lanzada en 1980, se convirtió en un hit tremendo en toda España, y puso el nombre de Humet entre los más citados musicalmente del momento.

Recuerdo perfectamente aquel silbido que iniciaba el tema y que era su gran distintivo. Personalmente, era una de las canciones que más me gustaban -y tenía apenas unos seis años- y la recuerdo con mucho cariño. De hecho, en casa de mis padres era una pieza muy apreciada, hasta el punto de que mi madre, todavía hoy, cuando se cita a Serrat, con frecuencia añade el nombre de Humet como otra referencia similar. 

Una comparativa que no era baladí, ya que en bastantes aspectos, la carrera de los dos cantautores fue bastante paralela, diferenciada a lo sumo por el mayor favor popular que recibió a lo largo del tiempo el Noi del Poble Sec. Pero llegaron a cantar juntos en un escenario, ambos grababan en castellano y en catalán, y hasta compartieron arreglistas. En fin, que estamos ante uno de esos nombres que sería una pena olvidar. Joan Baptista Humet.

Clara (por Goear)

PS: ¡Muchachada, acabamos de cruzar las 700 Píldoras!



Letra de la Píldora.

Hasta la próxima.

jueves, 21 de julio de 2011

Rock And Roll All Nite, Kiss, 1975


Hoy me venía en gusto poner uno de esos temas en plan estribillo hooligan-style, no me digáis por qué, pero así es. Y claro, canciones candidatas al respecto no faltan, con lo que se hacía necesario un repaso al abundante material disponible. Todo apuntaba a una sesión interminable de escuchas varias (como si eso me pesara...) pero he recordado que hoy pasan por la tele Los Tudor. Así que tocaba abreviar: cogí el primero que vi que cumplía con el requisito inicial. Tampoco me ha ido muy mal con este sistema, creo.

Rock And Roll All Nite es uno de los temas más conocidos de los Kiss, como sus seguidores reconocerán en seguida. Sin embargo, inicialmente no tuvo demasiado impacto en las ventas: apenas se situó en el puesto 57 del Billboard, y en Europa ni siquiera llegó a listar. Una segunda versión en directo, lanzada todavía en 1975, fue la que hizo el milagro. Su puesto 12 convirtió a la peculiar banda en un fenómeno de masas. 

Un fenómeno que prácticamente se centró al otro lado del Atlántico, donde el grupo no sólo se quedó en los ambientes más próximos al heavy metal (como sucedía en muchos lugares de Europa) si no que se transformó en todo un producto comercial con toneladas de merchandising y conciertos más que masivos y tremebundos. 

Hay que decir que Rock And Roll All Nite fue concebida por encargo. El grupo no acababa de despegar al nivel que la discográfica deseaba, así que ésta les obligó a parar la gira que tenían entre manos y meterse en el estudio a grabar lo que debía ser un himno rock and roll en toda regla. El resultado fue el que tenéis delante, y no pudo salirle mejor a los muchachos de Simmons y Stanley... y a la propia compañía, por supuesto. 

Así que os dejo mientras empiezan ya los develos varios de Enrique VIII en la pantalla (por cierto, tengo un par de Píldoras ahí en espera inspiradas más o menos en la cosa). Aaaaaaahhh!!! I wanna rock and roll all nite!!! And party every day!!! ¿Os dije que la letra tampoco era para matarse?




Hasta la próxima.

miércoles, 20 de julio de 2011

A Design For Life, Manic Street Preachers, 1996


Os confieso que es extremadamente difícil escribir una Píldora con un mínimo de coherencia mientras se ve por la tele una joya como El verdugo de Luis García Berlanga. Pero es así como se curten los espíritus duros (y frikis), así que aquí me veis desplazando la cabeza del portátil a la tele cual partido de tenis a ritmo acelerado.

Y desplazando los dedos casi más veces corrigiendo que escribiendo, añado. Pero aquí estamos, y con uno de los grandes temas de la discografía de los Manic Street Preachers. ¿Os acordáis de hace mucho tiempo, casi en los albores del blog, cuando traíamos a estos británicos con un hit -If You Tolerate This, Your Children Will Be Next- que rememoraba nada menos que la Guerra Civil Española?

Pues bien, dos años antes, estos tipos de marcado carácter izquierdista lanzaron A Design For Life, un tema que incidía en la lucha de clases y en la colaboración necesaria entre el proletariado. Dicho así, puede parecer un tostón derivado de El Capital, pero nada más lejos de la realidad.

A Design For Life era una balada poderosa pero con una belleza excepcional y un marcado acento épico. Estaba llena de referencias entre líneas, como aquella que hacía referencia al tristemente famoso lema Arbeit Macht Frei ("el trabajo os hará libres") que presidía algunos campos de concentración nazis. Aún hoy me estremece escucharla, os lo aseguro.

La canción escaló hasta el segundo puesto de las listas británicas, y supuso el primer Top 5 en la carrera de la banda galesa, algo poco habitual para una letra ideológicamente tan significada. Nadie podrá negar que estos muchachos sabían vender bien sus mensajes, desde luego.

A design For Life (por Goear)



Letra de la Píldora.

Hasta la próxima.

martes, 19 de julio de 2011

Girls & Boys, Blur, 1994

Los noventa en toda su gloria britpop. Pocos temas como este resumieron en apenas unos minutos las ganas de vivir (y del dejar vivir) que impregnó como un vendaval a todos los que por entonces estrenábamos la veintena. 

Girls & Boys no inauguró el sonido brit ni mucho menos, pero fue el primer gran hit mundial que vendió -y muy rentablemente- la movida con sede principal en el londinense barrio de Camden. Lanzado el 7 de marzo de 1994, el tema fue el principal single del álbum Parklife, otro de los iconos musicales del momento firmado por Blur

Pinchar esto en cualquier garito suponía activar al personal automáticamente. Y tal vez no tanto por su mensaje, simple y llanamente un canto a ligar con quién uno quisiera (ese inglés tan escaso en nuestras tierras...) si no por su sonido a medio camino entre la música disco y el rock alternativo. Una fórmula que en breve numerosos grupos repetirían con éxito. 

Como podéis ver, yo era uno de esos energúmenos que se lo pasaban de lo lindo con esta canción. Así que la escucharé una vez más, pero esta vez no por Spotify o por Goear. Pondré mi CD single original de 1994. Como Dios Manda.

Girls & Boys (por Goear)


Blur - Boys & Girls por darksyde

Letra de la Píldora.

Hasta la próxima.

lunes, 18 de julio de 2011

Celebrity Skin, Hole, 1998



A pesar de lo primetido ayer al respecto de los comentarios, donde dije digo, digo Diego. Y es que parece que tenga una agenda más densa que la de un concejal de jaranas y eventos en Fiesta Mayor.  Y sobrevenida: en el caso de hoy, tras acabar de trabajar por la tarde, a correr que se inicia la temporada veraniega de cumpleaños familiares. Por lo menos, lo paso de coña, así que no me quejo. Eso sí, hasta hace un rato, ni me acordaba lo más mínimo.

Así que aquí me encontráis asegurando como mínimo la Píldora, picando teclas a destajo a mediodía... en cuanto a los comentarios, para mañana, que parece que sí que estará la cosa más liberada. Al menos, que yo sepa en este momento. Pero no se quedarán sin responder, pardiez.

Courtney Love es, posiblemente, la tipa con peor fama de la historia del rock, si exceptuamos a la reina absoluta de la categoría, que es Yoko Ono. Supongo que sobrevivir a los mitos que fueron sus parejas no les ayudó demasiado, aunque tampoco les hizo mucho bien llevar una política descarada de imagen y emolumentos varios a costa de los traspasados. 

Como fuere, al menos la viuda de Kurt Cobain intentó y consiguió llevar una carrera musical más o menos estable, que se extiende hasta hoy. En todo caso, ninguno de sus temas consiguió un éxito tan notable como el que hizo al frente de su grupo, Hole, en 1998. Aquel año lanzó el álbum Celebrity Skin, cuyo single estrella, de igual título, coronó las listas norteamericanas de rock alternativo. 

Musicalmente, el tema no está demasiado mal, aunque hay que enmarcarlo dentro de aquel rock de aires grunge y extremadamente comercial con el que formaciones como Garbage estaban vendiendo discos como churros durante la segunda mitad de los noventa. Así que no esperéis otra cosa que rock para pasarlo bien, con mucho ruido y relativamente pocas nueces... aunque, a veces, estas cosas molan, ¿no?

Celebrity Skin (por Goear)



Letra de la Píldora.

Hasta la próxima.

domingo, 17 de julio de 2011

Yo soy aquel, Raphael, 1966



Ante todo, mucha calma. Y es que la falta (recuperable) de Píldora de ayer tiene la misma justificación que la aparición hasta cierto punto tan peculiar de hoy. Y digo hasta cierto punto porque un servidor nunca fue demasiado aficionado a los raphaelismos varios, a pesar de que cada vez más constato que la opción contraria abunda mucho más de lo que parece. 

Como es el caso de nuestra amiga Mercè, la misma que comenta por aquí con profusión. Ayer recibimos su visita -y la de su family- en un día de ocio estupendo, que se extendió hasta bien entrada la noche. 

Entre otras muchas cosas, fue inevitable el tema del blog, con el que apareció la gran pregunta por mi parte: "¿qué te apetece que ponga como próxima Píldora?". La segunda opción propuesta (la primera... bueno, mejor lo dejamos aquí) fue, precisamente, Raphael, del que es seguidora. Y un inciso: en este sentido, la cosa debe de venir de décadas. Mi padre todavía recuerda perfectamente como tenía que acompañar a mi madre a ver las pelis sesenteras del susodicho. Cuando iba solo, pillaba entrada para Drácula y cosas así, pero la tasa raphaelista la tenía que tener presente, sí o sí.

Tras la coña de Aquarius, se optó por Yo soy aquel, el primer gran hit del andaluz, con el que se presentó a Eurovisión en 1966 y obtuvo un meritorio séptimo puesto. Un buen lugar que hizo que repitiera concurso un año más tarde con Hablemos del amor

En fin, si sois de los partidarios de Raphael, espero que os guste. Y si no... mañana volveremos con otra cosa. Que por música, no quedará.

Yo soy aquel (por Goear)

PS: qué finde más completo... de hecho, he tenido que preparar esta Píldora por los pelos y por la tarde. Prometo responder mañana tantos comentarios como pueda...



Letra de la Píldora.

Hasta la próxima.

sábado, 16 de julio de 2011

September, Earth, Wind and Fire, 1978


(Viene del 31 de diciembre)

Píldora funky de Nochevieja nº4. Otra que tal para darse el dancin', por más años que lleve encima.



Letra de la Píldora.

Hasta la próxima.

viernes, 15 de julio de 2011

Sheena Is A Punk Rocker, Ramones, 1977


Hoy estamos ante uno de los mejores temas del punk norteamericano de finales de los años setenta, sin duda alguna. Además de entre los más memorables de aquellos tipos de idéntico apellido artístico conocidos en su conjunto por Ramones.

Sheena Is A Punk Rocker resume como pocos el estilo que hizo famosa a la banda neoyorquina: ruido punk de aires británicos mezclados con el inconfundible sonido surf californiano. Lanzado en 1977, era el primer single del álbum Rocket To Russia.

Y el primer hit del grupo, de paso. De todas formas, por sorprendente que pueda parecer, los Ramones nunca tuvieron buenos puestos en las listas generales de éxitos norteamericanas. En realidad, el tema de hoy no pasó del puesto 81 del Billboard, y fue uno de los únicos tres singles de toda su carrera que alcanzaron tal privilegio.

Algo mejor les fue en Europa y, especialmente, en la cuna del punk, Gran Bretaña. Allí, la canción se quedó a las puertas del Top 20, y se convirtió en el primero de una lista mucho más larga de sencillos que sí que entraron en los charts.

Con todo, su influencia fue muy superior a sus ventas, y muy pronto recibió versiones de todo tipo. De todas formas, en mi modesta opinión, ninguna de ellas igualaba a la original. Así que aquí la tenéis. Que lo pateéis bien...

Sheena Is A Punk Rocker (por Goear)



Letra de la Píldora.

Hasta la próxima.

jueves, 14 de julio de 2011

La mataré, Loquillo y los Trogloditas, 1987



Los niveles de corrección política de nuestros tiempos, que se asemejan más a gilipollez que a otra cosa con un mínimo de coeficiente intelectual, harían imposible casi con toda seguridad un tema como éste. Y, sin embargo, fue uno de los mayores éxitos de Loquillo allá a finales de los ochenta, y un imprescindible de los pubs durante prácticamente todos los noventa. 

Como es bien sabido, La mataré trata sobre la historia de un maltratador, contada con una pasión que todavía hoy sobrecoge, especialmente en su escena final. Y así fue entendida en su momento, cuando se hizo célebre tanto en su formato single original, como en la versión en vivo que dos años después se publicó en el gran directo que era A por ellos, que son pocos y cobardes.

A nadie se le pasó por la cabeza que fuera una apología del maltrato o de la violencia de género. Vamos, a nadie que yo conociera. Sin embargo, años después, en esa década aparentemente moderna pero realmente timorata y pusilánime en muchos aspectos que fue la de los 2000, alguna lumbrera dedujo que Loquillo (o, realmente, Sabino Méndez, su compositor) se habia vuelto majara haciendo apología de un crimen de género. 

Y lo cosa llegó hasta el extremo de que se convirtió en noticia si La mataré se interpretaba en un concierto o no. Qué lástima: con lo que esta canción había sido. Porque una cosa es acabar con la violencia de género, y otra censurar una canción que lo criticaba desde dentro. Pero claro, esto es u matiz que no está al alcance de imbéciles congénitos. Mi pregunta es: ¿acabarán pidiendo que no se represente Otelo?

La mataré (por Goear)



Letra de la Píldora.

Hasta la próxima.

miércoles, 13 de julio de 2011

Hide In Your Shell, Supertramp, 1974


El mismo mes en que mi menda aparecía por su primera salida del sol, septiembre de 1974, se publicaba uno de los álbumes más famosos de los años setenta. Era Crime Of The Century, que incluía temas tan celebrados como School o Dreamer

Sin embargo, para quien escribe, la canción que ponía a este disco en un lugar destacado no sólo de la discografía (a veces discutida y discutible) de Supertramp sino del rock progresivo más asequible, era este Hide In Your Shell

Sus cambios de ritmos, su lírica y, sobre todo, su dramático y casi épico final lo convierten en todo un imprescindible del repertorio de Hodgson y compañía. No obstante, nunca llegó a ser single -como tampoco lo fue School... hasta 1989-, algo que no fue impedimento para que se convirtiera en uno de los temas favoritos de los seguidores de la banda. 

Tengo que decir que yo nunca fui de estos últimos de manera incondicional, y mi querencia por los Supertramp iba fundamentalmente por barrios, esto es, por canciones sueltas. Menos mal que, entre ellas, las tenían buenas de verdad. Aunque ninguna tanto como Hide In Your Shell.

Hide In Your Shell (por Goear)


Letra de la Píldora.

Hasta la próxima.

martes, 12 de julio de 2011

Divina, Radio Futura, 1980


Hoy seré muy breve ya que, por la hora que podéis atestiguar, estas líneas serán lo último consciente que haga antes de ir a dormir, cepillo de dientes mediante. Pero os dejo con una de las canciones de Radio Futura que más me gustan.

Y es de las que más me gustan por dos motivos. Uno, porque es una versión de la fantástica y oscura Ballrooms Of Mars de los T.Rex.  Y dos, porque encima, con aquel toque reggae que le dieron los muchachos de Juan Perro, consiguieron una de esas extrañas ocasiones en las que no es fácil discernir cuál de las dos versiones, muy distintas entre sí, es mejor.

Por cierto, por si tenéis curiosidad por saber quién era la Divina de la canción, sólo os diré que era de origen mejicano, muy bajita, muy moderna, muy muy jovencita por entonces... y que se hacía acompañar por unos tipos denominados Los Pegamoides. ¿Quién sería?

Divina (por Goear)




Letra de la Píldora.

Hasta la próxima.

lunes, 11 de julio de 2011

Hello Hooray, Alice Cooper, 1973


El otro día vi una noticia que me dejó bastante asombrado. Trataba sobre la amistad que unía al efectista Alice Cooper con el que es mi pintor favorito, Salvador Dalí. Aunque bien pensado, teniendo en cuenta el gusto por lo efectista de éste último, la verdad es que tampoco era tan raro. Menudos figuras.

En todo caso, parece que la admiración que sentía Cooper por Dalí venía ya desde los años sesenta. Cuando el cantante comenzó a tener un gran éxito a principios de la década siguiente, y sus conciertos llenos de sangre y efectos gore se hicieron famosos, fue el propio Dalí quién manifestó curiosidad por Cooper. Así que en 1973 se conocieron, y el propio pintor le dedicó  incluso una obra holográfica. Admito que, a pesar de haber estado varias veces en el museo de Figueres, no había reparado en ella, o no recuerdo haberlo hecho como mínimo.

Así que, tras ver aquella peculiar noticia, recordé que uno de mis tesoretes vintage originales es el single de Hello Hooray, en la portada que se distribuyó en España (había otras más bestias,  hasta con el cantante ahorcado) y que es semejante a la que podéis ver más arriba. Con todo, no se trata de una canción de rock duro, aunque apunte maneras. Por entonces, precisamente 1973, Alice Cooper era la principal estrella del glam rock norteamericano, y su música era más violenta de pose que de sonido. 

Eso sí, es un temazo, si me permitís el comentario. Especialmente su final épico, con aquel "God, I Feel So Strong" a toda pastilla. Final que, por algún motivo que se me escapa, fue cortado en el clip promocional que tenéis delante. Así que os recomiendo que pinchéis el vínculo a Goear si queréis escuchar el tema completo.

De hecho, voy a escucharlo otra vez, pero ahora viendo algún libro de los que tengo sobre Dalí. Estoy seguro que la sensación será algo distinta...



Letra de la Píldora.

Hasta la próxima.

domingo, 10 de julio de 2011

Pictures of Matchstick Men, Status Quo, 1967


A pesar de que todos conoceréis a los autores del tema de hoy, con toda seguridad muy pocos esperaréis lo que vais a ver y a escuchar. Porque está en las antípodas de las célebres poses muy rockeras de Rossi y compañía, de la épica de In The Army Now y de ese sonido simple pero tan cargado de guitarras que ha sido durante décadas la marca de los británicos, avalada por hits de la talla de Wathever You Want o de Down Down.

Si queréis comparar el sonido de los Status Quo que tenéis delante con algún tema que conozcáis bien, sería con algo del tipo Lucy In The Sky With Diamonds o Strawberry Fields Forever. Vamos, psicodelia pura y dura, eso sí, en cierto modo adaptada para todos los públicos. 

Y si irreconocible es el sonido, no menos lo son los miembros de la formación allá por finales de los sesenta. De hecho, hay que esforzarse para reconocer a Francis Rossi (el cantante que llevaría la coleta durante 35 años) o a Rick Parfitt (el guitarrista de la melena rubia) entre los chavales ataviados como nobles dieciochescos con corte de pelo mod. 

Como curiosidad añadida, Pictures of Matchstick Men -dedicada a las famosas figuras estilizadas de los cuadros del pintor L.S. Lowry, y que Oasis homenajearían también muchos años después en su clip de The Masterplan- fue el mayor éxito del grupo en Estados Unidos. Porque Status Quo tuvo muchísimo impacto en Europa, pero bastante menos al otro lado del Atlántico: por ejemplo, Wathever You Want ni siquiera llegó a entrar en el Top 100 de allá.

Espero que os guste. O, al menos, que os haya sorprendido...


Pictures of Matchstick Men (por Goear)



Letra de la Píldora.

Hasta la próxima.

sábado, 9 de julio de 2011

Sledgehammer, Peter Gabriel, 1986


Una de los temas recurrentes de mis amigos de un tiempo a esta parte es -entenderéis en un segundo el porqué- esa clásica pregunta de "¿sabes qué canción es aquella que...?" o "¿quién canta eso de...?" frases que van seguidas de descripciones más o menos abiertas que dejan tanto al conocimiento como a la imaginación y a la suerte. Tengo que decir que con estas preguntas tipo Trivial me lo paso de lo mejor, aunque ya aviso que si alguno considera que soy la wikipedia ambulante... bueno, lamento decepcionarle. 

En todo caso, el prota de hoy supuso una de los acertijos más duros que he pasado, no por lo desconocido del autor, si no por lo ambiguo de la descripción inicial. Ahí que nos veis a cinco personas instruidas devanándonos los sesos para acabar respondiendo un casi azaroso "Peter Gabriel". 

Así que me hizo bastante gracia encontrármelo hoy en la megafonía de las regatas en la playa. Sorpresa un poco tonta, ya que el disco lo llevaba yo, uno de esos recopilatorios en los que se puede encontrar en el mismo saco a Bon Jovi, los Beach Boys o Barry White. Vamos, las churras y las merinas. Admito que ni me acordaba de que lo tenía.

Y como esta mañana también estaba quién me planteó el "¿quién canta eso de...?",  el cachondeíto estaba servido. Por lo demás, un momento divertido adicional a un gran día de regatas, en los que hemos ganado dos de las seis disputadas, y hemos quedado segundos en otras tres, incluida la de mi tripulación. 

Sledgehammer fue uno de los mayores éxitos de la carrera de Peter Gabriel, al antiguo líder de los Genesis antes de que Phil Collins le ocupara el puesto y les quitara buena parte de su gracia. Y, por cierto, con una letra un tanto sugerente para un sábado por la noche. Que lo paséis bien...

Sledgehammer (por Goear)



Letra de la Píldora.

Hasta la próxima.

viernes, 8 de julio de 2011

We're Not Gonna Take It, Twisted Sister, 1984


En el momento de leer esto, si es por la noche, andaré todavía por Port Aventura (la verdad es que no he ido nunca, con lo que ya os contaré). Teniendo en cuenta que esta mañana he trabajado, ya entenderéis el escasísimo momento que he pillado a media tarde para escribir. 

Así que al lío. Muy pocos grupos de la historia del rock han ido tan pintarrajeados como los Twisted Sisters. No en vano fueron los principales abanderados del llamado glam metal, una corriente ochentera caracterizada por un sonido heavy y una estética que, si se llevaba con demasiada liberalidad, podía acabar incurriendo en auténticas muñecas peponas con guitarra eléctrica. 

Sin embargo, musicalmente no estaba demasiado mal. Es más, algunos temas, como We're Not Gonna Take It, eran realmente buenos, y llegaron a calar enormemente en el gusto del momento. En el caso de hoy, los Twisted Sister se marcaron incluso un puesto 21, nada mal para una canción metalera. 

Es justo decir que el maquillaje pasado de vueltas no era necesariamente sinónimo de descerebramiento. Imagino que habréis visto alguna vez esa etiqueta que advierte genéricamente del lenguaje explícito en los discos. Pues bien, fue la salida de consolación que se adoptó después de que se rechazara en el Senado norteamericano una iniciativa en favor de avisar específicamente del contenido supuestamente nocivo de las canciones. Entre los que testificaron más convincentemente en contra estuvo el cantante de los Twisted Sister, Dee Snider... y lo hizo de la misma facha más o menos que podéis ver en el vídeo. Tela. 

Y el vídeo. Aparte de incorporar una de las intros más largas y gritonas que se conocen en la historia de los clips, permite ver a los cinco fulanos tras hacer estragos en la droguería con el aparador de Margaret Astor. Vamos, literalmente pintados hasta los pelos. Pero qué se le va a hacer: ¡eran los ochenta!

We're Not Gonna Take It (por Goear)

PS: y mañana por la mañana hasta mediodía, regatita de remo en la Playa de Calafell. Si os queréis pasar a ver competir a los más intrépidos bogadores (y aún más intrépidos devoradores de sepia con patatas) ya tenéis plan para mañana. 



Letra de la Píldora.

Hasta la próxima.

jueves, 7 de julio de 2011

Golden Brown, The Stranglers, 1981


La otra noche vi, tras bastante tiempo, Snatch: cerdos y diamantes, aquella peli del Benicio del Toro y del Brad Pitt con más hostias por metro cuadrado que una biografía de Bruce Lee. Pero, por supuesto, no estaría hablando de ello por aquí si no fuera por su banda sonora, plagada de grandísimos temas. 

Uno de los mejores, sin duda, era este Golden Brown de los Stranglers, que aparecía en una escena tras una pelea (qué extraño) en la que Brad Pitt derribaba a otro matón de un único puñetazo. Sin embargo, este momento cinematográfico dista mucho de ser el principal momento de gloria de la pieza de hoy.

En realidad, Golden Brown fue en su día el mayor hit de la carrera de la banda británica, y eso que ya atesoraba varios Top 10 a sus espaldas como abanderados del punk y el new wave. Aunque se quedó en el puesto número dos del chart de las islas (lo cual no le restaba mérito, ya que el número uno era nada menos que Town Called Malice, de The Jam), sus ventas fueron enormes.

Además, su peculiar estilo de inspiración rococó hizo que fuera ampliamente radiado no sólo por las emisoras de radio musicales más modernas y vanguardistas (al fin y al cabo, eran punks) si no también por las más carcas. Estoy seguro de que no tenían ni idea de quiénes eran lo individuos, y mucho menos qué música hacían.  

Para terminar, tan sólo quería aprovechar para hacer un último apunte sobre la mencionada peli del principio. Hace unos días expliqué en un comentario que un amigo mío, jefe de sección de El Mundo Deportivo, me había puesto años ha el cariñoso apelativo de Vinnie Jones atendiendo a mi forma penalmente punible de jugar a fútbol. Pues bien, no veáis cómo me emocioné al volver a encontrarme al susodicho jugador-actor en Snatch, tras citarlo el otro día por aquí. Cosas de las almas gemelas y todo eso, imagino.


Golden Brown (por Spotify)



Letra de la Píldora.

Hasta la próxima.

miércoles, 6 de julio de 2011

La Bambola, Patty Pravo, 1968


La Bambola es otro de esos temas que nos evocan a la Edad de Oro de la música Italia (edad que se extendió durante décadas, desde luego), aquella de los festivales veraniegos, de Sanremo y del Cantagiro... por más que esta canción jamás participó en ellos. 

De hecho, originalmente se trató de una pieza con un cierto mal comienzo. Compuesto por Franco Migliacci, Bruno Zambrini y Ruggero Cini, fue ofrecido a nombres de la talla por entonces de Gianni Morandi, Gigliola Cinquetti y Little Tony (sigo teniendo pendiente su memorable Cuore Mato...). Sin embargo, todos estos rechazaron el tema, que no debió parecerles a la altura de las circunstancias. 

La siguiente de la lista fue una joven que hasta el momento había tenido cierto éxito lanzando singles con versiones de hits anglosajones. Cuando Patty Pravo se hizo con La Bambola, imprimiendo aquella voz dramática, el impacto fue tal en todo el mundo, que de la noche a la mañana se sumó por derecho propio al star system musical del país cisalpino. 

La canción llegó al número uno en Italia, y subió hasta los primeros puestos de las listas en prácticamente toda Europa, donde vendió nada menos que nueve millones de singles sólo entonces. Al poco comenzó a recibir versiones, una de las cuales fue de la propia Pravo ya en 1970. 

Ah, si os acordáis, también hubo otra en plan ochentero de Marta Sánchez, cuando aún era la voz de Olé Olé. No estaba mal, pero... entre nosotros, no había color. Así que ya nos reservaremos otro tema para cuando llegue la hora de los madrileños. De momento, nos quedamos en Italia. Ciao!

La Bambola (por Spotify)



Letra de la Píldora.

Hasta la próxima.

martes, 5 de julio de 2011

Criminal, Fiona Apple, 1997


A pesar del contundente título, hoy no vamos a hablar ni de ladrones ni de asesinos. Ni tan siquiera de políticos corruptos, por más trajes nuevos que se gasten. Tan sólo vamos a recordar una de las mejores canciones a mi juicio del ya lejano (!) 1997. 

Criminal, incluido en el álbum Tidal, de la norteamericana Fiona Apple, fue uno de los grandes temas de aquel año tanto dentro como fuera del circuito alternativo. Compuesto íntegramente por ella, se convirtió en el mayor éxito de su carrera, con un cuarto puesto en las listas de rock independiente y un vigésimoprimero en las generales de Estados Unidos. 

Musicalmente, su potente y grave piano -que recuerda un montón al que los Beatles pusieron en su Cry, Baby, Cry, del Doble Blanco- preside la canción de principio a fin, en una estructura de acordes compleja y poco comercial pero que acaba conectando muy bien. Hay que decir que esta referencia a los de Liverpool no es gratuita: poco después, Fiona Apple lanzó una gran versión de Across The Universe, que aunque no dispuso de gran impacto en listas, también obtuvo un notable reconocimiento. 

Uno de los aspectos más destacados de este tema cuando se lanzó fue su vídeo, el cual mostraba a la cantante en diversos estadios de ropaje/desnudez. Aunque hasta obtuvo un premio, mostró cierta polémica al presentar a un cuerpo al que poco faltaba para la anorexia: se la llegó a comparar irónicamente con una de aquellas  modelos de ropa interior de Calvin Klein, que parecían haber salido de seis meses de ayuno estricto. Y doy fe de ello al volver a visionar el clip: realmente, ¿a quién le puede llamar la atención un palo en movimiento, incluso aunque cante bien?

Criminal (por Goear)


Fiona Apple - Criminal por hushhush112

Letra de la Píldora.

Hasta la próxima.

lunes, 4 de julio de 2011

Flashdance... What A Feeling, Irene Cara, 1983


Junto a Fame, posiblemente estamos ante la más famosa y vendida banda sonora de cine musical de todos los años ochenta. Y, en ambos casos, toda una apoteosis de calentadores, maillots y cintas en el pelo al más puro estilo Eva Nasarre

Hay que decir que ambas bandas sonoras no coincidían tan sólo en el look fitness a lo Jane Fonda. En los dos casos, sus temas principales fueron interpretados por la misma persona, la norteamericana de origen latino Irene Cara, que durante unos años se convirtió en sinónimo de revientapistas con ínfulas de danza moderna. 

Hay que decir que, en el caso de Flashdance, Irene Cara también participó en la composición de la canción. Y que, originalmente, no fue grabada por ella, si no por otro compadre suyo de la movida disco de la época, Joe Esposito. Sin embargo, el toque masculino no debió de convencer demasiado, y la propia Cara acabó poniendo la voz que sería luego escuchada y bailada por millones de personas. 

Y desde luego que fueron millones. El tema alcanzó el número uno en todo el mundo (con la excepción de los siempre peculiares británicos, que lo dejaron en el número dos) e Irene Cara recibió el premio Grammy a la mejor vocalista del año. En cuanto a la película... bueno, hay gustos para todo, pero en lo que a mí respecta sólo puedo decir lo siguiente: menos mal de su banda sonora. Menos mal.

Flashdance... What A Feeling (por Goear)




Letra de la Píldora.

Hasta la próxima.

domingo, 3 de julio de 2011

Land Of 1000 Dances, Wilson Pickett, 1966


No sé qué he hecho en todo el domingo, aparte del entrenamiento reglamentario de la mañana en remo, pero aquí estoy, a las siete de la tarde, y picando a toda pastilla porque en nada me voy de nuevo al festival de jazz de Vilafranca, el Vijazz, cuya gran virtud radica en escuchar música en vivo con un copazo de buen vino de la tierra del Penedès en mano. Si no vais, no sabéis lo que os perdéis. 

En todo caso, anoche, en el marco del mismo festival, escuché a unos tipos estupendos que llevan más de cuarenta años metiendo castaña con el soul y el funky: los Tower of Power. Lógicamente, sería lo suyo poner algo aquí en el blog, pero si no os molesta lo dejaré para otro día. De nuevo, cosas de mis recovecos cerebrales. 

Y es que el tipo que llevaba la voz, Larry Braggs, daba una caña tremenda que recordaba al más incendiario Wilson Pickett. Y ¡coño! Resulta que Pickett no estaba todavía por aquí. Y mira que mi nunca sufientemente referido padre lo ha mencionado veces, precisamente a raíz del tema de hoy, del que era el orgulloso propietario del single allá por 1966

Land Of 1000 Dances era un tema absolutamente devastador que repasaba buena parte de los a menudo surrealistas bailes que se ponían de moda de un año para otro en la cambiante juventud norteamericana de los años cincuenta y principios de los sesenta. Originalmente, no había sido grabado por Mr. Soulman, si no por el ya olvidado Chris Kenner. 

Pero fue Pickett quien, con su potencia aniquiladora, convirtió el tema en un éxito absoluto por todo el mundo en el 66. El clip que tenéis más abajo -tomado durante un concierto en África en 1971- es una buena muestra de cómo se las gastaba el sujeto en el escenario. Sólo os digo que si no acabáis sudando como él, os devuelvo el dinero. Palabrita.

Land Of 1000 Dances (por Goear)




Letra de la Píldora.

Hasta la próxima.

sábado, 2 de julio de 2011

Walk Like An Egyptian, The Bangles, 1986


Utilizar la canción de hoy para lo que voy a contar puede ser más un indicativo de los extraños vericuetos mentales de este Maestro Armero que de otra cosa. Pero es que utilizar -como podría parecer más adecuado- a la estupenda música de Los Canarios (algunos ya comenzaréis a ver de qué va a ir la cosa) casi dejaría en buen lugar al elemento objeto de estudio. 

Aunque los recientes revolucionarios egipcios hicieron de este famosísimo hit de las Bangles una especie de estandarte, aquí en España "caminar como un egipcio" es una conocida expresión que denota el principal ejercicio físico de los que gustan actuar a golpe de corruptela. Es decir: el sujeto animal en cuestión, a la par de que te sustrae reglamentariamente lo que te ha de cobrar por un servicio, te levanta de verdad por detrás lo que le sale de los cojones. O lo manga de lo que ha recibido por delante, que tanto da. A los hijos de puta nunca les ha faltado imaginación. 

Supongo que a la mayoría de vosotros la reciente noticia de la detención de Teddy Bautista (ahora don Eduardo Bautista, y antes también el célebre y apropiado Judas del Jesucristo Superstar español) os habrá provocado la misma reacción que a mí. Esto es, tras una sorpresa sin precedentes, haber pensado que ha habido por una vez justicia divina -a falta de fe completa en la humana- pero de esa forma tan nuestra que lo resume en un somero y definitivo "jódete, cabrón". 

Y mirad que su lástima da la cosa. Porque este individuo, además de cantar muy bien, tenía uno de los grupos más grandes de la historia del pop español, los ya mencionados Canarios. Su Get On Your Knees es un tema, por así decirlo, a la altura del mejor soul blanco nunca hecho. Vamos, que el tipo tenía talento. 

El problema es que en cierto momento pensó que más que vieja gloria musical, prefería ser nuevo hombre de negocios, y decidió invertir el talento por aquí. Lástima que peor no lo podría haber hecho. Convirtió a la SGAE de legítima organización de defensa de autores a una moderna versión del odiado sheriff de Nottingham (el de Robin Hood), y de sus agentes se contaban historias más próximas a la de sicarios del clan Corleone que a la de honrados gestores del patrimonio creativo nacional.

Así que no es de extrañar la gran alegría con la que muchos han recibido esta noticia, entre ellos mi padre, cuya mera visión del Teddy en pantalla daba pie a toda una retahíla de improperios, los cuales hacía extensibles a Ramoncín y demás turiferarios ex-superventas que defendieron alguna vez la labor rapaz de la organización de artistas. Anda que no habrá descansado el hombre tras ver los últimos telediarios. Y mi madre, también, de paso. 

Ahora sólo falta que dimita su otro archienemigo, el Director General de Tráfico, y mi hogar paterno será el paraíso en la Tierra. De verdad que sí.  Pero de momento, yo celebro ya este triunfo para el sistema nervioso de mi padre. Y para la limpieza del país, por supuesto.

Walk Like An Egyptian (por Goear)



Letra de la Píldora.

Hasta la próxima.